miércoles, 30 de diciembre de 2015

Reseña de Star Wars: El Despertar de la Fuerza (Star Wars: The Force Awakens)

Star Wars El Despertar de la Fuerza
Director: J. J. Abrams
Actores: Daisy Ridley, John Boyega, Harrison Ford, Adam Driver
Duración: 135 minutos
País: Estados Unidos
Año: 2015

En el extraño caso de que usted no haya visto esta película, una advertencia: mi crítica va a estar llena de comentarios que usan la trama de la obra y de la saga. 

Bien. Lo primero que salta a mi vista es, a mi juicio, un gran problema que no es culpa de esta película. Es el siguiente: ¿Contra qué y por qué despierta La Fuerza? Lo pregunto porque se supone que ya eliminaron al enemigo principal (al Imperio Galáctico) y ya existió un caballero Jedi que trajo balance a La Fuerza, peor: el episodio 6 se llamó: "El Regreso del Jedi" y ahí acabaron con la amenaza sith. Lo que quiero resaltar es que, desde mi perspectiva, y por lo menos hasta el episodio X, la serie difícilmente va a poder tener otra vez una de las razones por las que se volvió una especie de mitología contemporánea y una por la cual los episodios IV y V son sencillamente, excelentes películas. Eso es: un gran villano. Tan bueno que él es la razón por la que existieron los episodios I, II y III. Aquí, yo no puedo sentir el mismo sentido de urgencia, grandiosidad o preocupación cuando los protagonistas se enfrentan a un joven aprendiz que no domina el lado oscuro o a un grupo remanente que inexplicablemente creció demasiado y que por alguna extraña razón obtuvo un arma más poderosa que la que jamás tuvo la entidad de la cual nació (¿por qué no los detuvieron los rebeldes antes? ¿qué estuvieron haciendo mientras tanto? ¿bailaban con ewoks?).

Lo segundo aún más evidente es que es demasiado parecida al episodio IV. Me molestó sobre todo que volvieran a usar la amenaza de una "Estrella de la Muerte" (no hay que olvidar que ésta también apareció en el episodio VI) y que esta vez dicho artefacto pueda matar desde lejos y que la muerte de varios miles de millones de seres galácticos haya parecido tragedia menor.

El tercer asunto que quiero destacar se relaciona con los puntos 1 y 2 que acabo de mencionar: Los últimos minutos me parecieron anticlimáticos y conflictivos entre ellos por lo siguiente: Dado que ahora no existe un villano lo suficientemente grande (aunque la verdad, es un buen personaje), quien tiene ese rol, Kylo Ren (bien llevado por Adam Driver), debe encumbrarse para las siguientes entregas, y para eso, tiene una batalla con alguien muy cercano a él (como en el final del episodio V), pero al mismo tiempo deben destruir el "Planeta de la Muerte" (como en el episodio IV), el resultado es que no le acaban poniendo la atención suficiente a ninguna vertiente, la destrucción de la súper estructura parece demasiado sencilla (llevada a cabo por un personaje menor, además) y esta demolición quita atención y tiempo al impacto trascendental del choque personal. No por nada un clímax pasó en el episodio IV y otro en el V, ¡caray!... Y todavía después de los dos finales mezclados nos faltan minutos que establezcan la espera para el episodio 8... -_-


No obstante lo anterior, la película no es mala (¡Jar Jar Binks y Anakin Skywalker los estoy viendo!). Harrison Ford regresa como Han Solo y es un deleite volver a verlo, como también da gusto ver a Chewbacca o a R2-D2, aunque tal vez ya no sea nunca más el androide consentido después de ver a la pequeña maravilla conocida como BB-8, una adorable esfera que incluso le compite en star-power al dueño del Halcón Milenario. También muy bien los protagonistas. John Boyega como un stormtrooper que se rehúsa a seguir ciegamente órdenes que además tiene sentido del humor y Daisy Ridley como Rey, una chica sensible a la Fuerza llena de brío que no tendrá problemas en llevar sobre los hombros la tercera trilogía. 

El director y co-escritor fue J. J. Abrams y aunque son muy cuestionables las decisiones argumentales que tomó, tiene unos excelentes 60 minutos iniciales en donde esa galaxia realmente parece tener cosas nuevas y divertidas que ofrecer, coloca un montón de agradables guiños a los filmes anteriores, hay buen humor y no abusa nunca de los efectos especiales por computadora (como pasó en la segunda trilogía... que en realidad es la primera...). La batalla entre Kylo Ren y Rey no quedó nada mal, tampoco. Falló la tercera dimensión, eso sí (aunque no sé si eso dependió de él o del estudio: por aquello de que esos boletos cuestan más).

George Lucas, el creador y director de la mayoría de las anteriores seis entregas, declaró sobre este séptimo capítulo que "a los fanáticos les va a encantar" y que "es el tipo de película que han estado buscando". Coincido con él. Los fanáticos tienen un montón de razones por las cuales hacer fila y ver varias veces esta nueva entrega. Para quienes, como yo, no lo son, una entretenida vez es suficiente.

7.0/10

Dos comentarios antes de irme.

Uno: honestamente se me hace difícil que tengan suficiente material para tres películas. Una vez más, ya destruyeron la peor amenaza posible: otra "estrella de la muerte". ¿Qué les queda a los malos? La única forma exitosa que veo factible para que el relato continúe es reducir la narración a un nivel más personal. Léase: Rey va a convertirse en maestra jedi y va a derrotar a Kylo Ren (quien se va a convertir en maestro sith).

Dos: si el episodio VII es muy parecido al IV, el episodio VIII va a ser muy parecido al V, es decir, a Luke Skywalker nada más le va a faltar que se le pongan puntiagudas las orejas y se le ponga la piel verde y... Rey resultará ser su hija.



lunes, 14 de diciembre de 2015

Reseña de 25 de Adele

Adele 25 album cover

Adel-ante no es el lugar hacia donde se dirigió la señora Blue Adkins en su mega esperado tercer disco de estudio, nuevamente, el pasado y la nostalgia son los que ocupan un lugar central y un alma vieja con varias heridas se asoma, pero esta vez no es tan creíble, poderoso y demoledor como en la anterior ocasión (en 21). Probablemente porque aquí se oye una cierta formula para sacar lágrimas, menos música que eleve el dolor de un amor perdido y un porcentaje demasiado grande del trabajo se le deja únicamente a la voz de la cantante.

Es el caso de "All I Ask" que aún con su excelente letra (Todo lo que pido es / Si esta es mi última noche contigo / Sujétame como si fuera más que un amigo / dame una memoria que pueda usar) suena algo aburrida o demasiado "musical de Broadway" a la tercera ocasión que la escuchas por solo usar un piano; o en la yesterdayzosa "Million Years Ago" y su predominante guitarra (que sin embargo, no decepciona por una voz convincentemente dolorida en el coro); o en el soso piano de "Remedy", en la cuál además, no le creo a la artista (¿ella va a ser mi remedio con esto? mmm, no, prefiero "Don't You Remember"); y un poco con los violines que acompañan a "Love In The Dark" que creo ya haber escuchado en otras canciones de otros artistas, aunque, de nuevo, la rola no falla por la buena letra (Quita tus ojos de mí para que pueda partir) que acompaña a su dinámica in crescendo.

No obstante, me pareció que la anterior estructura se repetía con demasiada frecuencia. Es decir, canciones que empiezan tranquilas y van subiendo para dejar una explosión al final. Eso no es nada molesto en el primer sencillo "Hello" (que a mi parecer, es el que se parece más a los cortes de su anterior lp) por atacar un sentimiento universal y parecer honesta, pero en "When We Were Young", la fórmula, aún con buenas armonías, suena algo falsa (la chica tiene 27 y canta "cuando éramos jóvenes" -_-). Dicho patrón también se encuentra en "Love In The Dark" o en "All I Ask". No es que sea malo por sí mismo pero ¿dónde está la imaginación o alegría?

Está, por ejemplo, en "Sweetest Devotion", el corte más personal y verdadero del disco. Además, el único donde realmente Adele parece feliz, ¿por qué? Porque está dedicado a su hijo y eso hace que su voz sea gigante en su júbilo... la música no la deja sola, tampoco. También más juguetonas me parecieron "River Lea" por su atmósfera góspel (¡además algo sombría!) que le echa la culpa a un río (así que culpo al río Lea, al río Lea, al río Lea) o "Send My Love (To Your New Lover)" por la confianza que demuestra al descartar a un exnovio y su sencillo fondo rítmico algo pop.

Entre todas, mi preferida fue "I Miss You". Explosiva y descarada desde el comienzo (Quiero cada pedazo tuyo / Quiero tu cielo y tus océanos, también / Trátame suave pero tócame cruelmente) y algo sexosa, añorante y de recitable letra en su conjunto (Te extraño, cuando las luces se apagan / Se iluminan todas mis dudas / Tira de mí, sujétame fuerte). ¡Yeah! Lo único donde el álbum si falló feo fue en la lamentable interferencia de la guerra de volumen que afectó a la grabación (no se oye tan bien como debería). Aparten eso a la próxima y que los récords se sigan acumulando.

3.5/5


lunes, 7 de diciembre de 2015

Reseña de El Principito (The Little Prince)

El Principito Poster
Director: Mark Osborne
Actores: Melissa Gutiérrez, Manuel "El Loco" Valdés, Cecilia Suárez
Duración: 108 minutos
País: Francia
Año: 2015

Para los que han crecido y han olvidado, podría parecer otra cosa: una adaptación sin el respeto suficiente de un libro pueril, un innecesario intento de imaginar una segunda parte a una historia conocida u otra simple película de niños. Pero para mí, sencillamente, es una obra maestra. Con la grandiosa profundidad y ternura de su fuente primaria, y además, bella, simbólica, agradable al oído, inteligente y técnicamente impecable en su conformación cinematográfica.

"De pronto comprendí cierto resplandor que rodeaba su presencia misteriosa"

Al contrario de muchas personas, yo no había leído el libro de Antoine de Saint-Exupéry y por algún motivo me imaginaba su obra simple y demasiado infantil, así que no sabía que esperar del filme, no obstante, a los pocos minutos ya se vislumbraba algo especial. De forma visual (como el cine manda) se introduce un mundo monótono, conformista y robótico en donde la mamá de una niña quiere que su hija entre a la escuela más prestigiosa de todas para triunfar en la vida, al parecer, haciendo cuentas; pero no consigue ese deseo al primer intento, de manera que se muda al vecindario donde está dicha academia para echar a andar el plan B, el cuál tiene diseñado, paso a paso, minuto a minuto, todo el verano para conseguir el objetivo. Nada de juegos o distracciones. Sólo que no pensó con el vecino de al lado. En el extravagante domicilio a la izquierda, entre un montón de grises casas idénticas, vive un viejo aviador. Alegre, soñador y asiduo a mirar las estrellas, entabla amistad con su vecinita y le cuenta la historia de lo que una vez le ocurrió cuando estaba perdido en el desierto.

Desde estos primeros momentos varias figuras empiezan a cobrar una relevancia que después las elevarán, a mi parecer, a símbolos. Sutil y elegantemente se desarrolla a través de la obra las imágenes de una rosa, de un zorro, de un avión y sobre todo, de una estrella. Esta última además, va a tener otro toque preciosista, un sonido: el de una risa alegre (tal vez con algo de melancolía). Que una película incluya siquiera uno ya es difícil (ver La Cumbre Escarlata) y ¡aquí tenemos por lo menos cuatro de ellos desarrollados dentro del propio largometraje!

"Esas cosas doradas que hacen soñar a los haraganes"

Además, plasmados en la más pulcra de las animaciones por computadora (en el relato del viejo y la joven) y tiernos y preciosos cuando pasamos a la historia del Principito, ya que esta parte del relato usa animación stop-motion con papel maché (entre otras técnicas). No conforme con tener una parte visual increíble, su banda sonora brilla con delicadeza o ensueño gracias al trabajo de Hans Zimmer, Camille y Richard Harvey (más buenos usos de Lily Allen y Gabrielle Aplin); Cecilia Suárez, "El Loco" Valdés y Melissa Gutiérrez están perfectos en el doblaje y encontramos varias frases memorables como "Crecer no es el problema, olvidar lo es" o

"Lo esencial es invisible a los ojos"

Creo que el principal motivo por el que este tipo de películas es mirada sobre el hombro por los adultos, es que carecen de profundidad (Minions, te estoy viendo) o en mi caso con el Principito, por mi estúpida asociación de su imagen en acuarela con menores de 8 años. Grave prejuicio, porque las ideas de las que goza, nuevamente, no las tiene cualquier creación. ¡Esa cosa es mágico-portentosa-impresionante! Saint-Exupéry estaba tocado por el cielo o era del asteroide B612 o recibió la palabra de Hermes Trismegisto... o algo, porque ¿esa rosa? Un amor que no se cuidó, ¿el zorro? La amistad, ¿el avión? La aventura, ¿la estrella? ¿¡La muerte!? ¿resignación, alegría? ¡algo inolvidable! y ¡queda un montón más! (y cada quién aporta su significado) ¿El Principito? El extranjero que se da cuenta de nuestras limitaciones, manías o engaños; está una serpiente que es un salto a lo desconocido lleno de fe; un hombre de negocios que "no es un hombre sino un champiñón" o un amanecer que no apreciamos lo suficiente para colmarnos de alegría.

Tal vez esa admiración y amor a la obra interfiera en algunas personas cuando vean el filme ya que hacia el final se propone "¿qué hubiese pasado si el Principito hubiese crecido?" y esto no es una adaptación al cien por ciento. Yo creo que la pregunta no interfiere con el original y aquí hace sentido y complementa al relato, pues si la historia del pequeño heredero es prodigiosa, la del viejo y la niña no desmerece en lo absoluto. Un adorable veijillo le enseña a una niña a soñar y le da alegría, amistad y color a su mundo mientras la prepara para enfrentar "el sentimiento de lo irreparable"... a veces hay tanta belleza... en el mundo... y mi corazón... simplemente se va a rendir.

Parafraseando a Saint-Expéry: Es realmente misterioso el país de las lágrimas al que el Principito te puede llevar, sin dudarlo, volvería, y desde el día en que lo vi (y después leí), tal vez, cuando vea el cielo lleno de estrellas y extrañamente escuche una risa, me pondré feliz de haberlo conocido y tendré ganas de reír y las personas creerán que estoy loco, pero yo sabré, que he sido domesticado.

10/10



domingo, 22 de noviembre de 2015

Reseña de Spectre

Director: Sam Mendes
Actores: Daniel Craig, Christoph Waltz, Léa Seydoux, Ralph Fiennes, Monica Bellucci
Duración: 148 minutos
País: Estados Unidos
Año: 2015

¡Bond regresa!... demasiado.

El exceso no se debe a que esta sea ya la entrega número 24 en la serie y un sentimiento de hartazgo o algo por el estilo se haya hecho presente, sino a la vuelta al pasado que la trama plantea por la extraña necesidad que ha aparecido desde hace un par de filmes de darle una especie de historia de origen al personaje y a la forma en que este largometraje trata de conectarse con los anteriores. Dicho menester no me resultó muy creíble y le da minutos de más a la narración en una ocasión que una menor duración hubiese beneficiado mucho a la obra, cierto, la nueva oposición creada con el villano es más traumática para el querido James, algo más compleja y definitivamente más simbólica, pero no es creíble que su antagonista haya sido "el autor de todo el dolor" de nuestro héroe, la sombra que nubló un posible futuro con la mujer más querida o quien eliminó a la apreciada exjefa (mucho muy bien interpretada por varios años por Judi Dench).

Mirar tanto al pasado también hace que mucha información sea necesaria. El problema con eso es que requerimos de bastantes escenas que dependen de diálogos (a veces largos) que lo que ocasionan es una baja de ritmo muy patente. Sinceramente creo que saber sobre la niñez de Mr. Bond es innecesario y darle motivos para justificar la forma en la que actúa (por qué es un asesino o por qué es un mujeriego, por ejemplo) puede resultar hasta contraproducente en, digamos, el muy probable capítulo 44 de la franquicia. Tal parece que quieren dar datos y traumas para crear complejidades pero es cuando el personaje es más sencillo y común cuando es más agradable y entretenido.


En una de las mejores secuencias iniciales de la serie, la cámara nos sitúa en medio de un gran desfile en el Día de Muertos en la Ciudad de México, de pronto, encuadra a un hombre enmascarado y a su mujer acompañante, los siguen mientras caminan y llegan a un hotel, a las escaleras de este y a una habitación, se quitan la máscara y ahí está el buen Jaime apunto de conquistar a otra mujer cuando decide que primero tiene que salir por el balcón e ir a matar a alguien. A quien después persigue en medio del desfile y por quien después debe subir a un helicóptero. En pleno vuelo, derrota al piloto y a su presa y en el último instante evita que el aparato caiga sobre la multitud, y jamás se despeina y sigue impecablemente ataviado en el mejor traje que un sastre pueda confeccionar. Es simplemente muy entretenido de ver.

Otras partes muy buenas que siguen el canon preestablecido son una persecución en auto por las calles de Roma, una excelente pelea con una montaña de músculos que interrumpe una cena en un envidiable viaje en tren e incluso el primer encuentro (o la secuencia en la guarida) con el líder de la súper organización criminal súper ignorada por todos, SPECTRE (Special Executive for Counter-intelligence, Terrorism, Revenge, and Extortion -¡goey!- por sus siglas en inglés). Una sociedad que apareció en la mismísima primera película del serial, Dr. No, que tenía muchos años de no presentarse y que es conducida en esta ocasión por "Oberhauser", interpretado con gran soltura por el excelente Christoph Waltz. Además de él, Daniel Crieg vuelve a dar razones para que nos preguntemos quién es el mejor actor en el papel de 007, ¿él o Sean Connery? Aunque tal vez ahora se comportó algo serio y es menos suave espía y más atormentado ranger.


Regresa también Sam Mendes como el encargado en la silla de dirección y logra nuevamente un filme de James Bond bello de ver. El Día de Muertos le quedó excelente pero también brillan los mármoles blancos manchados de trajes negros en medio de un funeral en Italia, ese tren que se dirige a la nada en el desierto, el vestuario cuidado o la ciudad marroquí, Tánger. Todavía más bellas, las "chicas bond" Monica Bellucci y Léa Seydoux.

Aún falta por hablar de ese final que prolonga 30 minutos de más la película, de la presión que introdujo la anterior, Skyfall (de las mejores), y del problema en Inglaterra que amenaza al programa de los espías doble 0 impulsado por el burócrata local "C" quien se pelea con "M" quien es apoyado por "Q" y... Pero veces es mejor dejar las cosas en una forma más sencilla y más corta.

7.5/10


martes, 10 de noviembre de 2015

Reseña de La Cumbre Escarlata (Crimson Peak)

La Cumbre Escarlata Poster Español
Director: Guillermo del Toro
Actores: Mia Wasikowska, Jessica Chastain, Tom Hiddleston
Duración: 119 minutos
País: Estados Unidos
Año: 2015

-Hay belleza en este filme. Eso es lo que sé.

A principios del siglo XX, en Búfalo, Edith Cushing (Mia Wasikowska) es una joven que escribe relatos "no sobre fantasmas. Más bien historias con fantasmas en ellos" que de pronto es cortejada por un baronet llamado Thomas Sharpe (Tom Hiddleston) que se encuentra en Estados Unidos buscando financiamiento para uno de sus inventos, pero el rico padre de la muchacha sospecha del elegante extranjero y su misteriosa hermana (Jessica Chastain) y no aprueba que estén juntos. No obstante, un acontecimiento permite a los enamorados casarse e irse a vivir a la derruida mansión familiar de los Sharpe en Inglaterra, en donde sabremos si el amor es verdadero, por qué le llaman al lugar "La cumbre escarlata", cuál es el papel de la hermana y... ¡oh sí!, también hay uno que otro fantasma por ahí.

Crimson Peak Butterfly

Sólo que este largometraje no es realmente de terror, ni de misterio y aunque tal vez él mismo quisiera, tampoco es propiamente de amor. Y eso no me molestó para nada hasta el momento en que los esposos llegaron a la casa embrujada, pues antes de eso hay cierta incógnita todavía presente, suficientes personajes para interactuar, locaciones con colores más ricos y los tres actores principales tienen buen material con el cuál trabajar. Cuando llegan a la residencia, ese lugar se convierte en el protagonista y sólo la hermana mantiene (o eleva) su participación. Lo peor es que es muy predecible lo que va a pasar ahí, lo que pasó y pasará y también quién lo causó (y sabemos todo eso mucho antes del final). Y ¡oh sí! ahí viven fantasmas de quienes espero algo que creo me habían prometido y que nunca pasa.

El relato es confuso en lo que quiere y no me convence. Y aún así, podría entusiasmarme la idea de volver a ver la película porque el director es Guillermo del Toro (El laberinto del Fauno, Pacific Rim), y él, fascina con su imaginación y con el cuidado que pone a sus imágenes, con la atmósfera, su movimiento de cámara, cinematografía y con la forma en que maneja los colores, las luces y las sombras e inclusive los sonidos. Fácilmente podríamos ver que este esfuerzo logra próximas nominaciones al Oscar por Mejor Vestuario y Diseño de Producción.

Crimson Peak Chastain & Del Toro

Cuando Thomas Sharpe explica el invento por el cual busca financiamiento, lo presenta en forma de miniatura funcional (parece un juguete adorable); Allerdale Hall, la enorme mansión, fue construida en la vida real y con el aire que pasa a través de ella, la madera de la que está hecha y su sótano (y lo que contiene y produce), parece un ser vivo que respira y al que le late el corazón; en elaborados y pulcros vestidos, las texturas y los colores resaltan las personalidades; metáforas visuales (sobre la fragilidad de una mariposa y los peligros a los que se enfrenta) son toques que sólo unos cuantos realizadores incorporan efectivamente como en esta ocasión; las imágenes de la sangre que tiñe el blanco de la nieve, de la luz que entra por las ventanas, de una chimenea que ruge en la oscuridad o de dos manos que se enlazan mientras sobresalen por el negro de los trajes no se ven juntas en cualquier obra; y todo lo anterior es contado con una más que solvente banda sonora compuesta por Fernando Velázquez y movimientos de cámara elegantes que nunca parecen excesivos o pretenciosos.

-Hay belleza en este filme. Se ve y oye bello. Y no es suficiente. Eso es lo que sé.

6.5/10


viernes, 6 de noviembre de 2015

Reseña de Puente de Espías (Bridge Of Spies)

Puente de Espías Poster Español
Director: Steven Spielberg
Actores: Tom Hanks, Mark Rylance
Duración: 141 minutos
País: Estados Unidos
Año: 2015

Hay una guerra fría librándose en estos momentos en el cine. Por un lado tenemos a Hulk, Luke Skywalker y Superman, por mencionar algunos; y en el otro, tenemos a Steven Spielberg, Tom Hanks y los hermanos Coen, por decir unos nombres. Dos visiones totalmente distintas. Una parece estar ganando. Yo sé con cuál me quedaría.

El segundo bando, por supuesto, e invito a todo aquel que tal vez me lea a averiguar por qué, viendo la primera colaboración entre esos tres personajes que mencioné anteriormente en la que de seguro no será la última obra que trate sobre espionaje mientras el Muro de Berlín permanecía de pie, pero sí una que creo, se encuentra entre las mejores.

La película se basa en hechos reales. En 1957, en Nueva York, fue capturado el espía soviético Rudolf Abel (Mark Rylance) y para demostrar los valores de justicia norteamericana, se le asignó al capaz abogado James B. Donovan (Tom Hanks). El agente encubierto fue declarado culpable pero gracias a su defensor libró la pena de muerte. Poco después de eso, la Unión Soviética capturó al piloto norteamericano Francis Gary Powers y entonces, a Donovan se le encargó negociar un intercambio por Abel en la parte comunista de Berlín.

Bridge Of Spies Handshake

La película se cimenta en magia celuloideaica. Spielberg dirige (magistralmente [otra vez]). Muestras de su destreza son su emocionante secuencia inicial prácticamente muda, o el intercambio tenso y simbólico en el puente que da nombre al filme en la parte final, el posicionamiento y movimiento de su cámara, la cuidada recreación de la época y nuevamente, la excelente fotografía de la que gozan sus largometrajes. Esto sí se ve como cine, lo demás, parece televisión. Tom Hanks actúa y lo hace ver todo muy fácil. No solamente como un abogado que nos convence de que "toda persona importa" sino como un hombre en peligro de muerte que además acepta un trabajo por el cuál se gana la antipatía de sus colegas, el público y hasta su familia. Si lo más seguro es que él reciba otra nominación al Oscar como Mejor Actor, lo increíble sería que su coprotagonista, Mark Rylance, no esté ya entre los nominados a Mejor Actor de Reparto. El tipo es sorprendente. Luce como un hombre débil e insignificante y, sin embargo, con sólo su lenguaje corporal, sabemos que no lo es, que oculta algo, agreguémosle una voz que nunca se agita y una templanza que jamás se quiebra y he ahí un espía memorable.

El guión fue escrito por Matt Charman y fue pulido por Ethan y Joel Coen (Fargo, No Country For Old Men), así que el evento histórico está bien explicado, al protagonista lo hacen sufrir de varios ángulos para nuestro entretenimiento, hay buenos diálogos, algunos toques elegantes o graciosos e ideas de cierta profundidad (justicia, valor, deber).

¿Algo luce sospechoso? Mmmm, por un accidente, en Berlín es capturado un estudiante de economía norteamericano que Donovan también quiere salvar. Esta parte se siente algo floja y Spielberg en algunos instantes nuevamente se siente algo superfluo o sentimentaloide. Pequeñeces realmente.

Lo que me parece preocupante, ¡alarmante!, incluso, es que ni toda la maestría en un arte acumulada y demostrada por Spielbergs, Hanks y Coens (y una semana de exhibición extra) superen la asistencia de cosas como Don Gato, el inicio de la pandilla (en México, el día que escribo esto)... ¿alarmarse por eso ayuda? Naaaaaa. Tal vez lo mejor sea escribir que el cine aún tiene hombres de miras amplias dispuestos a levantarse una y otra vez contra necesidades juveniles al tiempo que dan resultados excelentes y esperanzadores en medio de esta guerra fría cinematográfica.

9.5/10


lunes, 26 de octubre de 2015

Reseña de Rebel Heart de Madonna (Edición Estándar y Super Deluxe)

Madonna Rebel Heart (Edición Estándar)

Reseña edición estándar

El décimo tercer disco de la Reina del Pop es un intento fallido de marcar tendencia, seguir el ritmo a las princesas que amenazan el reino, armar un equipo de trabajo y sobre todo, de complacer a sus súbditos con algo del sonido pulcro y bien armado que la llevó al sitio en donde está; también es un feo ejemplo, muchas veces, de una persona mayor queriendo ser un adolescente.

Son muy notables las dudas que existieron en el proceso creativo cuando revisas los créditos y ves que en una canción existieron hasta 9 escritores y 6 productores ("HeartBreakCity"). Mucho peor, los titubeos se oyen; la seguridad de la líder del género no está presente como un muchos otros de sus trabajos anteriores. Madonna siempre ha buscado a los mejores colaboradores del momento pero ella siempre parecía estar bajo control, con un rumbo claro y con la última palabra; ahora luce dispersa y como si hubiese enlistado a todo aquel que pudiese darle cierto éxito radial y fuerza ante las Katy Perrys y Rihannas del mundo. La tratan de ayudar Avicii, Diplo, Kanye West, Chance The Rapper y Nicki Minaj, entre otros (hasta Mike Tyson colabora).

En pocas ocasiones hay buenos resultados. Fue el caso del primer sencillo y tal vez mejor canción, "Living For Love", donde hay moderación en el uso de la música house y hay algo de alegre pop y un bajo que suena interesante y no ridículo. Sucedió en "Ghosttown", donde agradezco que la voz de Madonna tuvo poca interferencia del auto-tune y que sea una balada que no quiere que la pongan en la discoteca de moda; pasó en "Body Shop" al usar sonidos acústicos armónicos donde se oye melodía y no ruido; y se produjeron en "Inside Out" pues creí en ella cuando escuché "hold me closer [...] let me love you from the inside out" al tiempo que usaba otra línea de bajo de buen ritmo.

Pero no quiero oír nuevamente "Illuminati" y su estúpida letra "It's like everybody in this party shining like illuminati" (la canción está inspirada en la teoría de que nuestra artista pertenece a ese grupo); no entiendo la lamentable mezcla de reggae con dubstep y un intento de hacer rimar las letras en "Unapologetic Bitch"; y de plano odio "Bitch I'm Madonna", que usa los peores sonidos electrónicos en la historia de la carrera de la cantante en un muy cuestionable intento de innovación (supongo que ese era su objetivo), tiene un tono de autoafirmación innecesario ("perra soy Madonna"), una colaboración con Nicki Minaj irrelevante usada para colocar algo en la radio (Nicki debe ser garantía, ¿no?) y a Madge otra vez intentando rapear y otra vez fallando. Mientras que "Iconic" es otro ejemplo de ella diciendo lo grandiosa que es sin alguna particularidad que rescate a la canción y por ahí encontramos a "Holy Water", que también me parece fallida por abusar nuevamente de la palabra "perra" y por sus referencias sexuales risibles y demasiado frontales.

Lo anterior, creo, es una muestra de que en estos momentos Madonna quiere ser más "una perra adolescente" lista para la competencia efímera en alguna red social de moda, que una música consagrada de edad madura preparada para llevar a otro nivel la música pop en un ámbito distinto al de la pista de baile.

2.0/5

Madonna Rebel Heart (Edición Super Deluxe)

Reseña Edición Super Deluxe

No hay otra forma de decirlo: la versión estándar del álbum es mediocre y entre lo peor que ha hecho, pero ¿cómo está la edición Super Deluxe que también se vende? Pues, definitivamente, si van a comprar Rebel Heart, consigan la de lujo.

Tiene 11 canciones extras a la impresión común (2 son remixes de "Living For Love" que no creo aporten mucho) y afortunadamente no aparece la influencia tan de moda (¿?) de la música trap y tampoco está Nicki Minaj u otro intento de la protagonista de hacer rap. Aparecen varias canciones más tranquilas y mesuradas en las cuales no se quiere reventar el subwoofer de una disco que supongo la señora Ciccone descartó por el mismo motivo.

La primera es "Best Night", que tiene un pegajoso coro que dice "I'll make this the best night of your life" con sonidos que recuerdan a la India y milagrosamente poca interferencia de la EDM. Le sigue "Veni Vidi Vici", otro intento de autoafirmación ("Vine, Vi, Vencí") que no es tan malo por una buena parte acústica, una que otra buena frase ("I was constant as the northern star") y una más que solvente colaboración del rapero Nas. "S.E.X." comete nuevamente el error de confundir al sexo por sí mismo con arte o atrevimiento al incluir gemidos y más imágenes chafonas y trasladar a segundo plano la música; "Messiah" tiene un tempo que nunca explota y no me terminó por convencer; y en "Rebel Heart" (¿no es muy extraño que una canción que le podría dar nombre a un álbum no se incluya en la versión más comercial?) Madonna nuevamente habla de Madonna en términos narcisistas ("Deep down in the depth of my rebel heart").

Es hacia el final donde encontré lo mejor de entre estas canciones. "Beautiful Scars" tiene una honesta y muy creíble letra que en la voz de "La Chica Material" es perfecta ("Just take me with all my stupid flaws") y un aire de música setentera bailable, cadenciosa y agradable; "Borrowed Time" posee una singular declaración en boca de la cantante "Our time is only borrowed" que no suena falsa por usar sonidos tranquilos; "Addicted" usa guitarras y EDM bien complementados más una letra pulcramente ensamblada que podría ser emocionalmente cercana ("And it was easy to predict / You were gonna be the one who broke my heart"); y "Graffiti Heart" tiene la ayuda justa de productores electrónicos al ir de menos a más y ser alegre sin querer demostrar quién es la mejor. 

Es muestra del poder de Su Majestad que aún cuando parece que uno de sus discos es completamente descartable, "esa perra" encuentra la manera de seducirnos. ¡No la den por muerta nunca! Entre 25 canciones, de seguro encuentran varias que justifiquen su compra.

3.5/5


viernes, 23 de octubre de 2015

Reseña de En La Cuerda Floja (The Walk)

En La Cuerda Floja Poster
Director: Robert Zemeckis 
Actores: Joseph Gordon-Levitt, Charlotte Le Bon, Ben Kingsley
Duración: 123 minutos
País: Estados Unidos
Año: 2015

¿Una película que abusa y aburre en el uso de las palabras, que no desarrolla bien a sus personajes y que desaprovecha prácticamente toda su primera mitad es recomendable? Sí, absolutamente, no nada más llega a ser eso, es una experiencia im-per-di-ble que solamente el cine puede dar.

El 7 de agosto de 1974, alrededor de las 7:15 de la mañana, el funámbulo francés, Philippe Petit, caminó por una cuerda que él puso en la parte más alta entre las dos torres del World Trade Center de Nueva York. ¡En serio! Sucedió realmente. No usó un arnés de seguridad y mucho menos una red de protección. Tampoco tenía el permiso de hacerlo. Fue: algo ilegal... y completamente asombroso. Esa es la base para el filme.

Antes del sorprendente acto, debemos conocer un poco al hombre que se propuso tal hazaña/locura/¿obra de arte? Aunque la forma en que el director decide lograr eso es muy cuestionable y por momentos, molesta. Desde un inicio (y lamentablemente hasta en los momentos climáticos) la historia usa a Petit como narrador. Lo único que eso logra es que en pantalla veo lo que se me está diciendo y algunas veces incluso se repiten frases que ya quedaron más que claras por lo que vi en pantalla, agruéguenle que Philippe es un hombre lleno de energía con una voz que trata de reflejar ese carácter y un acento francés peculiar, y: tenemos un detallito.

Otra particularidad que salta a la vista es el ritmo y efectividad de la primera parte de la obra. Se siente lenta y no queda totalmente claro cómo es que nuestro artista pasó de caminar entre dos árboles a baja altura a cruzar entre las dos torres de la Catedral de Notre Dame (paso previo a Nueva York) y más importante aún, no sabemos qué es lo que lo incita ni cómo es él realmente, ¿por qué lo hace? ¿Por qué? No lo sé. Tampoco conocí bien a sus amigos o a su novia. Lo acompañan y están presentes, sí, pero sólo dicen uno que otro diálogo sobre algo del momento, ¿qué los atrajo y qué pensaron de las excentricidades de su amigo artista? Es otra incógnita.

The Wire Restaurant

La certeza es el "golpe maestro" que hay que ejecutar en las torres más altas del mundo y una vez que estamos en la ciudad de los Yankees, la cosa se pone buena. Primero deben ingeniárselas para poner el cable en su lugar y eso no será fácil, así que el filme se transforma en una especie de relato de ladrones (no hay que olvidar que el acto era ilegal y que no obtuvieron nunca el permiso de nadie). La banda necesita un plan, los instrumentos necesarios, cómplices, saber todos los movimientos dentro de los edificios, transporte, subir hasta el último piso sin que nadie sospeche de ellos y tener todo listo por la noche para maravillar al mundo en la mañana.

Hay imágenes previas que anticipan eso.

El World Trade Center luce gigante, imponente y atemorizante... desde abajo. Petit está en papel de espía y analiza el mejor rumbo a seguir a ras de suelo, pero en cierto momento, llega a lo más alto de una torre ¡y qué vista! Lo que va a hacer y donde vamos a acompañarlo es una locura.

The Wire Kiss The Sky

No hay vuelta atrás. Está decidido. Y una vez que el plan se pone en marcha la tarde antes del día previsto, subimos a otro nivel. Hay una deliciosa tensión que va creciendo constantemente al ver cómo el equipo se enfrenta a imprevistos y cómo casi fracasan antes de siquiera poder poner un pie cerca del vacío. Cuando llegan al último piso. El cine demuestra sus alturas.

Me voy a arriesgar a caer en un precipicio amigos, pero hay convicción en mí: efectos especiales al servicio de la historia como estos, no los van a ver en ninguna otra película este año y me cuesta trabajo recordar algo como lo que viví en otros filmes. Olvídense de Star Wars. Esto es lo que tienen que experimentar en una pantalla grande; esto solamente se puede gozar a plenitud en una sala de cine.

Freddy Krueger y Jason Voorhees no dan tanto miedo como lo es la vista de una muerte segura y horrible al caer más de 400 metros si cometes cualquier error. La magia que pone Robert Zemeckis y el buen trabajo de Joseph-Gordon Levitt hizo que a cada momento pensara: "¡¿cómo va a hacer eso?!" o "¡Noooooo mammmmsss! ¡No mames! ¡NO MAMES!". Quería apartar la vista, me sumía en mi asiento y me sujetaba a los apoyabrazos (mi miedo a las alturas ayudó, supongo). ¿Quieren que les diga algo más para convencerlos? En proyecciones previas, según reportes de prensa: hubo gente que vomitó.

Resistan algunos minutos, disculpen al narrador, olvídense de tratar de entender razones o personalidades y simplemente vayan a la sala IMAX más cercana y empiecen a pensar: "¡¿qué está haciendooooooooooo?! "

8.5/10


Si la película es increíble, bueno, el acto de la vida real fue... ¡Dios mío! Les dejo un video con las fotografías de ese instante (no hay video, solo fotos) que aparecieron en el excelente documental ganador del Oscar sobre esta hazaña Man On Wire.



martes, 13 de octubre de 2015

Reseña de Misión Rescate (The Martian)

Misión Rescate Poster Español
Director: Ridley Scott
Actores: Matt Damon, Jessica Chastain, Jeff Daniels, Chiwetel Ejiofor
Duración: 144 minutos
País: Estados Unidos
Año: 2015

El astronauta Mark Watney (Matt Damon) se mete en un ligero predicamento a más de 225 millones de kilómetros de distancia de casa, da una lección de ciencia que tal vez no a todos fascine, conserva el buen humor aún en medio de una amenazante soledad y se frustra con música disco en la más reciente película de ciencia ficción del experimentado director del género: Riddley Scott (Alien, Blade Runner, Prometheus).

En un futuro no muy lejano, la tripulación de una misión a Marte se enfrenta a una poderosa tormenta que los obliga a cancelar todos sus planes y a subir prematuramente a la nave de retorno, pero uno de ellos se pierde y es abandonado al pensar que había muerto. No lo estaba. Así que ahora está completamente solo y debe de ingeniárselas para sobrevivir el tiempo suficiente para ser rescatado; lamentablemente, la próxima misión tardará 4 años en llegar... El panorama luce más que difícil.


No importa, nuestro protagonista no se va a rendir y decide ponerse a trabajar y usar toda la ciencia que pueda. Cultiva, explora, repara equipo de comunicación, idea un nuevo alfabeto, se ayuda de energía solar, programa una dieta forzosa, arregla su base, sufre alguna que otra explosión y hasta resuelve el más grave de sus problemas con cinta adhesiva o cortando su traje de astronauta al tiempo que llega a ser todo un Iron-Man. Mientras tanto, en la Tierra, la NASA usa satélites, vuelve a usar un robot de una misión anterior, prepara respuestas a diversos escenarios, lidia con serios problemas con la opinión pública y hace cálculos con la astrodinámica. De regreso en el planeta rojo, Mark debe ajustar constantemente sus planes ante los imprevistos, escucha a Donna Summer y dice groserías justificadas y graciosas. En la sala de cine, algo tan sencillo y cotidiano como que una planta florezca, maravilla.

The Martian Science The Shit Out Of It

Sobrevivir es la clave, la mente indomable es el combustible. Watney es la muestra totalmente plausible de lo que el ser humano puede lograr con su ingenio y del impulso ante la adversidad. Con la excelente actuación de Matt Damon, jamás dudamos de él y queremos ser los testigos de su eventual triunfo. Aunque es cuestionable que una persona ante tal infortunio y por tanto tiempo en soledad mantenga tal espíritu y no desarrolle una experiencia que traumatizará su mente para toda la vida: me refiero a que tal vez la obra es demasiado optimista e inmediata. Si lo suyo son las obras de ciencia ficción grandilocuentes, filosóficas o sombrías, esto puede sentirse como una clase universitaria que mejor no hubiesen cursado. Un sentimiento que tal vez adolezcan más quienes están acostumbrados al frecuente estilo oscuro y serio de Riddley Scott.

The Martian Watney Hates Disco

Para mí, el cambio de tono es bienvenido, ese astronauta nació para estar vivo y entretenernos. ¡En tu cara, Bear Grylls!

8.5/10

Por cierto, el filme se basa en una novela publicada en el año 2011 por Andy Weir y está a un excelente precio en la tienda virtual de Amazon, ¡chéquenla!




domingo, 19 de julio de 2015

Reseña de Intensa-Mente (Inside Out)



Intensa-Mente Poster Español
Directores: Pete Docter, Ronaldo del Carmen
Actores: Cristina Hernández (Alegría), Kerygma Flores (Tristeza), Jaime Vega (Furia), Erika Ugalde (Desagrado), Moisés Iván Mora (Temor), Verania Ortiz (Riley)
Duración: 94 minutos
País: Estados Unidos
Año: 2015

Es una alegría escribir sobre la importancia de la tristeza, la complejidad de los sentimientos, la estructura de la memoria, la inteligencia, la valentía y las grandes aspiraciones que se pueden encontrar en una mal llamada (a mi gusto) “película para niños”; es extraño que mi gozo provenga sobre todo, de pensar en su profundidad, ideas e imaginación pero no tanto de la diversión que me causó ver el filme, pues este no me pareció súper entretenido.

En el décimo quinto largometraje de Pixar nos metemos en la cabeza de Riley Andersen y conocemos a las 5 emociones que gobiernan su cerebro: Alegría, Tristeza, Furia, Desagrado y Temor. Hasta sus 11 años la primera fue la emoción primordial, pero la niña debe mudarse de casa y de pronto los demás sentimientos tienen otro protagonismo.

Esta es probablemente la idea más compleja que se ha atrevido en plasmar la compañía y lo hace magistralmente. Los invito a reflexionar en que verán como funciona nuestro cerebro y el mundo donde esto se desarrolla. ¡Mitología, amigos! Están las representaciones de nuestras decisiones y las de los recuerdos fundamentales que crean nuestra personalidad, los procesos que engendran nuestra memoria a largo plazo y los que hacen que olvidemos las cosas, está el subconsciente y la forma en que nacen los sueños. Está, entre todo, una transición a la madurez.

Intensa-Mente Cabeza de Riley

Para eso, Tristeza es un elemento indispensable. Para mí, ella es el personaje principal. La chica de azul es quien hace que las cosas cambien, quien empuja y acompaña a la aventura principal, quien da al filme por muchos minutos el tono principal y quien por lo mismo hace que la película no sea tan divertida para todos. Ese protagonismo que le dan los creadores es cosa de valientes, de artistas. Una secuencia me pareció sobresaliente por lo anterior (spoiler menor a continuación): Riley se presenta en frente de su clase en su nueva escuela y, al recordar su anterior hogar, se pone a llorar, cuando regresa a su casa se pelea con sus padres por el mal día que tuvo (buena suerte a un pequeñín disfrutando eso o la secuencia del pensamiento abstracto o el final del amigo imaginario). Aplausos por mostrar eso pero tengo un ligero problema en como se trata a la “antagonista” de Alegría. Al final se le aprecia y se le ve como algo necesario, cierto, pero sobre todo al principio, parece darse a entender que sería mejor que desapareciera. ¿Algunos, como cierta chica de amarillo, tardarán en entender para qué está ahí? Un poco de mayor aprecio tempranero me hubiera parecido mejor.

Inside Out I'll Just Lie Here Til Tomorrow

¿Pero es una comedia, no? Mmm, pues sí… Aunque el último acto puede llegar a ser muy melancólico, no todo es no quererse levantar o mojarse bajo la lluvia. Alegría es la coprotagonista y siempre busca iluminar los panoramas grises, Furia es sumamente agradable, las partes infelices suelen intercalarse con algún guiño cómico y meterse en la cabeza de otros nos hace conocer pensamientos muy divertidos. Pero son momentos. La vela principal de este barco es algo más seria y tiene como destino otro puerto que las meras risas.

A destacar el trabajo de doblaje realizado. Me gustó mucho Jaime Vega (Furia) y Verania Ortiz (Riley), al igual que Cristina Hernández (Alegría), quien parece que tuvo siempre una sonrisa contagiosa al realizar su trabajo, pero todos mis aplausos a Kerygma Flores (Tristeza). El volumen y ritmo de su voz es perfecto y logran una voz memorable. También excelente el trabajo de composición de música original de Michael Giacchino, en especial “Bundle Of Joy” y “Joy Turns to Sadness/A GrowingPersonality”, son sumamente bellas. Te hacen sonreír mientras una lágrima quiere asomarse  y su tonada se te queda en la cabeza… casi tanto como “Tripledent Gum”.


9.0/10

lunes, 29 de junio de 2015

Reseña de Spy: Una Espía Despistada (Spy)



Spy (2015 film) poster
  Director: Paul Feig
Actores: Melissa McCarthy, Rose Byrne, Jude Law, Jason Statham
Duración: 120 minutos
País: Estados Unidos
Año: 2015

Una gordita con baja autoestima que ayuda desde su escritorio a un experimentado y seductor espía de la Agencia Central de Inteligencia se convierte en una diestra profesional, imponente habladora y maestra de las risas para ser la respuesta a una amenaza nuclear en una bomba de película veraniega.

Susan Cooper (Melissa McCarthy) sale de sus oficinas en Langley por primera vez para caerse en persecuciones, confundirse en elegantes restaurantes, disfrazarse de patéticos alter ego, desmayarse ante estresantes eventos, lidiar con un donjuán italiano o hacer llorar a un pobrecito sueco, entre otras cosas. Las situaciones y confusiones no paran; aunque tal vez algunas podrían llegar a ser un poco asquerosas para ciertas personas o puedan parecer innecesarias (¿ratas y murciélagos en la oficina?).

Spy (2015 film) the spy who loved himself

La improbable nueva agente es menospreciada por Rick Ford (Jason Statham), quien a primera vista luce como un muy duro compañero de profesión dotado de toda la experiencia necesaria para acabar con los malos, que además presume de ridículas hazañas que estarían geniales en la vida real: sólo que a la hora de la verdad no respalda sus palabras o percepción de sí mismo. Es muy torpe y muy divertido y el actor está excelentemente elegido para el papel. La villana “no canta mal las rancheras”, tampoco. Rose Byrne tiene ese papel y en muchos instantes debe convivir con McCarthy en una especie de juego de engaños y duelo de personalidades bien llevado por las dos.

Paul Feig dirige y escribe la película. Hacia el final tal vez da un par de giros de más al asunto (tal vez) pero siempre mantiene un tono agradable; hace lucir locaciones en París, Roma o Budapest; elige muy bien al elenco; los actores se ven cómodos; plantea amenos elementos que al principio parecen irrelevantes y después resultan importantes; hace que los personajes menores también sean agradables (¡50 Cent!, la jefa, la mejor amiga); y todo lo compone mostrando a mujeres en posiciones protagónicas y puestos de poder (como sucedió con otra exitosa comedia que el dirigió: Bridesmaids) que ha hecho que algunos piensen que la película es feminista.

Jason Bourne y James Bond bien podrían recibir a su lado a Susan Cooper.

9.0/10

domingo, 10 de mayo de 2015

Reseña de Avengers: Era de Ultrón (Avengers: Age Of Ultron)



Avengers Era de Ultrón Poster Español
 Director: Joss Whedon
Actores: Robert Downey Jr., Chris Evans, Chris Hemsworth,
Mark Ruffalo, Scarlett Johansson
Duración: 141 minutos
País: Estados Unidos
Año: 2015

Iron Man, el Capitán América, Thor, Hulk, la Viuda Negra, Hawkeye, Scarlet Witch, Quicksilver, Ultrón y varios más son guiados con mano heroica por Joss Whedon frente a los enemigos del discernimiento o la diversión en una secuela que pone el camino a otra(s) secuela(s) y los miles de millones de dólares.

Esta ocasión, Tony Stark piensa que el equipo de Los Vengadores no es suficiente frente a las amenazas cósmicas y acaba construyendo a un villano hecho de inteligencia artificial extraterrestre que además quiere un cuerpo compuesto por el metal más duro del planeta y es ayudado por un hombre súper veloz y una mujer que tiene la capacidad de jugar con las mentes de los buenos del cuento.

Además, hay un romance que no es muy creíble entre un hombre que se pone verde de coraje y una chica que puede tranquilizarlo, una incursión de Thor a una cueva para desatar visiones informativas que no queda perfectamente clara, recuerdos de un doloroso pasado, una muerte sorpresiva, una granja de reposo, la construcción paulatina de un guante de gemas preciosas de poder impresionante, un meteorito terrestre, más personajes y un montón de peleas.

-¿Uh?

Avengers Era de Ultrón Bosque

Síp. Incluso 141 minutos pueden parecer poco tiempo para explicar tantas cosas (y eso que medio conozco el folclor de los cómics, ¿cómo se sentirá quien no sabe nada del tema?) pero aunque todo no quede perfectamente claro, algo prevalece: la diversión de de ver a “los héroes más grandes de la Tierra” juntos. El director y guionista retoma su trabajo después del primer filme y vuelve a demostrar su excelente entendimiento del material entre sus manos. A cada uno de sus personajes les trata de dar algún momento para brillar (algo muy notable y difícil considerando que son bastantes), no deja que el tono se ponga demasiado serio al insertar alguno que otro efectivo chiste o peculiar diálogo, incluye el tema de la confianza como fundamento en un equipo y al mismo tiempo jamás olvida la exigencia de la acción veraniega con grandes y prolongadas batallas.

Lo que no puede hacer, es igualar a otras películas del género que han logrado ser algo más que un buen entretenimiento “para pasar el rato”. Tal vez eso sea imposible en una obra que tiene que lidiar con demasiados datos necesarios para hacerla entendible para todos o con las quejas de feministas porque, de algún modo, la figura de la Viuda Negra es sexista o con la exigencia de una compañía que espera romper récords de taquilla y que no le importa el desarrollo de personajes y prefiere vender los fuegos artificiales. Tal vez no hay que pensar en eso y simplemente hay que disfrutar el gran espectáculo de una pelea entre Hulk y Iron Man. Sin duda que me gustaría volver a ver algo así.

7.5/10

domingo, 26 de abril de 2015

Reseña de Sólo los Amantes Sobreviven (Only Lovers Left Alive)


Sólo los Amantes Sobreviven Poster
 Director: Jim Jarmusch
Actores: Tilda Swinton, Tom Hiddleston, Mia Wasikowska, John Hurt
Duración: 123 minutos
País: Estados Unidos
Año: 2013

Es su afición por la literatura, su piel pálida, el hecho de que vive de noche y de que lee en varios idiomas como si no hubiera nada mejor que hacer, es su cabello largo, el poder de su tacto, la selectividad que tiene para hacer amigos, sus lentes oscuros, la forma en que sorbe su bebida preferida cual droga esclavizante y su actitud positiva y relajada al saber lo que es realmente importante en la vida, es su sabiduría y confianza, es que recita:

El amor no es juguete del tiempo, aunque el carmín de labios y mejillas
caiga bajo el golpe de su guadaña;
el amor no se altera con sus cortas horas y semanas,
sino que todo lo resiste hasta el final de los tiempos.
Si estoy errado, y que eso se pruebe,
yo nunca he escrito, ni ningún hombre ha amado.

Es que colecciona guitarras antiguas, las Gibson, las Gretsch, las Hagström o las Silvertone, es que además sabe tocarlas como también toca el violín y otros instrumentos pulsados, es su colección de discos de acetato y sus composiciones de música fúnebre, son sus gruesas cortinas para impedir el paso de la luz solar, es que le gusta Bruce Lee, Edgar Allan Poe, Johann Sebastian Bach, Oscar Wilde, Nikola Tesla, Isaac Newton o Jack White, es su desprecio por casi todas las personas que no saben apreciar el mundo y que son unos “zombies”. Es que eso hace que me enamore de ellos.  La primera se llama Eva, el segundo se llama Adán. Son unos vampiros.

Sólo los Amantes Sobreviven Bar

¡Los hijos de la noche con más onda que se puedan imaginar! Amantes de las artes y las ciencias pero no tanto de convertir a simples mortales en alguien como ellos (son demasiado sofisticados para eso). Quien busque aquí el terror, quedará muy decepcionado. Son 123 minutos de convivencia con dos personas sumamente interesantes que como tienen toda la eternidad por delante, no se apresuran en hacer mucho.

Esposos. Una vive en Tánger, Marruecos, el otro vive en Detroit, Estados Unidos. Ella tiene como amigo a no otro sino al verdadero genio detrás de Shakespeare, Christopher Marlowe; él usa a un joven para conseguir lo necesario para hacer música y de vez en cuando visita -disfrazado de “Dr. Fausto”- a un galeno de un hospital que le consigue un poco de ese elixir conocido como “O negativo”; no obstante que la vida fluye, él se deprime y ella decide viajar y hacerle compañía.

Tilda Swinton interpreta a Eva cual criatura sobrenatural de la vida real que no hace ningún esfuerzo, es perfecta en el papel y es muy agradable verla buscar el lado alegre y juguetón de la existencia frente a  su melancólico compañero, un Tom Hiddleston que la complementa muy bien y que luce muy cómodo enfundado en su chaqueta de cuero como roquero independiente que no busca la fama. Ella es la parte positiva, él la negativa, lo mismo podría decirse de los lugares en los que viven. Tánger es luminoso y prometedor; Detroit es la imagen de lo que los hombres hicieron mal y donde ya no parece haber futuro.

Sólo los Amantes Sobreviven Estudio Rock

Es argumentable, además, que ellos son sobrevivientes (sólo los que han quedado/quedarán) de su especie y del paso de los siglos porque no sólo se aman entre ellos, sino porque han encontrado a amar aspectos que la vida ofrece que las personas normales y “vivas” ni siquiera toman en cuenta. Y se renuevan constantemente. Hacia el final de la película, el músico parece cautivado por un nuevo espíritu creador que encuentra en un bar de Marruecos (y una nueva “guitarra”) y es hasta ese momento que buscan obtener sangre revigorizante mediante una forma primitiva y directa que libera los instintos. 

Pero hay personas de las que algunos no entienden como es que otros se enamoran. Si la actitud artística alternativa parsimoniosa de intelectuales algo esnobs con sus diálogos llenos de referencias no hacen conexión con ustedes, esto no les va a gustar. Porque esto es sobre ellos. Hay poca tensión, no hay muchas acciones relevantes, deja algunas preguntas sin resolver y sobre todo en los últimos minutos puede parecer lenta.

Ese no fue mi caso, conmigo, hicieron que el universo diera vueltas.

9.0/10

lunes, 20 de abril de 2015

Reseña de Rápidos y Furiosos 7 (Furious 7)



Rápidos y Furiosos 7 Poster
 Director: James Wan
Actores: Vin Diesel, Paul Walker, Jason Statham,
Michelle Rodriguez, Ludacris, Tyrese Gibson,
Dwayne Johnson
Duración: 137 minutos
País: Estados Unidos
Año: 2015 

Un blockbuster con varios agujeros en la narrativa, secuencias ilógicas, algo de diálogo acartonado y actuaciones cuestionables que además tiene el descaro añadido de hacer que los coches vuelen, ¡resulta ser una obra recomendable, tremendamente disfrutable, inteligente y hasta enternecedora!

Esta ocasión, la familia de corredores debe enfrentarse a Deckard Shaw (Jason Statham), quien ha jurado vengarse de ellos por haber dejado lisiado a su hermano, Owen Shaw (Luke Evans, ver Fast And Furious 6). Dado que el villano es un súper soldado inglés que no puede ser localizado fácilmente, primero hay que acceder a un dispositivo electrónico llamado “el Ojo de Dios”, un artilugio cibernético creado por “un hacker” que puede localizar a cualquier persona en el mundo en muy poco tiempo y que por supuesto, no será nada fácil de conseguir.

A grandes rasgos es la historia, pero en realidad, es secundaria. Las secuencias de acción con los autos son lo importante. Y lo llevan a otro nivel, de nuevo. Usan autobuses con ametralladoras, camionetas blindadas, muscle cars, todo terrenos, súper autos e híper autos… Y hacen volar a algunos. No en pedazos (bueno, también): Por los cielos. Hay dos secuencias de este estilo y se ven un poco ridículas pero increíblemente –realmente no lo puedo creer- en la vida real no es imposible hacerlo. La primera secuencia fue filmada en su mayor parte sin ayuda de computadoras y la segunda (que involucra a varios y muy altos edificios de lujo), ¡sería hipotéticamente plausible!, según un profesor de física.

No sólo los carros son buenos, el villano también lo es. Jason Statham desde el comienzo deja en claro que es alguien sumamente peligroso, nunca se rinde, muestra grandes habilidades y tiene muy buenas peleas con Vin Diesel y Dwayne Johnson. Sus interacciones con el primero le dan un giro de retorno muy astuto y agradable a la famosa escena de pistola y espada de Raiders Of The Lost Ark. Una muestra de que en realidad, es un filme muy inteligente.

Rápidos y Furiosos 7 Pelea Callejera

Los más de mil millones de dólares que va a ganar no son gratuitos. No sólo apela a los hombres con pornografía vehicular de muy distintos tipos, ahí está también Michelle Rodriguez pateando traseros enfundada en vestido de gala en una fiesta de millonarios en Abu Dhabi, está “Ludacris” y Tyrese Gibson representando a los afroamericanos en dignos papeles y dando espacio a la comedia (de hecho, todos los personajes tienen una función estructural definida), está Tokyo, está el Caribe, Yemen o Azerbaiyán para mostrar exóticas locaciones mundiales y están chicas en diminutos bikinis para apelar a chicos como… como unos que yo conozco… junto a los ritmos cadenciosos de la bachata o hip-hop.

Además, sobrelleva casi imperceptiblemente y de muy buena forma la trágica muerte de Paul Walker. La escena donde corre sobre un autobús para salvarse es de las mejores y no dudo que a varios fanáticos de la saga se les humedezcan los ojos en unos minutos finales que elevan al filme a momentos de ternura insospechados y a ser la entrada más memorable de la serie.

Ante todos sus aciertos, no me importan sus huecos lógicos o ensamble secuencial cuestionable o su diálogo a veces sentimentaloide o su final tal vez demasiado exagerado, Rápidamente me convenció de esperar con ansia su octava entrega.

8.5/10