Reseña de Oasis: Supersonic (Supersonic)

Director: Mat Whitecross

Actores: Noel Gallagher, Liam Gallagher, Paul Arthurs, Alan McGee

Duración: 122 minutos

País: Reino Unido

Año: 2016

"Quiero hablar esta noche

Hasta la luz de la mañana"

Sobre cuan supersónica puede ser una pared maravillosa en una supernova de champaña. Sobre cigarros y alcohol de una estrella de rock n' roll. Sobre la grandiosa oportunidad que brinda la música para todos. Incluso si eres un chico de los suburbios que tuvo un mal padre. ¿Sabes a lo que me refiero? Permanece conmigo.

La historia es verdadera. La presenta Mat Whitecross y la cuentan los hermanos Gallagher. Es difícil de creer que ya pasaron veinte años de eso. Es sobre el ascenso vertiginoso de una banda nacida en Manchester, Inglaterra. Se llaman Oasis. Y tan sólo les tomó tres años y dos discos para liderar un concierto frente a 250 mil personas.

Una aventura muy interesante de ver. No importa que nunca hayan oído hablar de ellos (Shame on you!). Es un documental musical de parte de los productores ganadores del Oscar en la categoría homónima del año pasado. Tiene un gran estilo, edición y, primordialmente, protagonistas. Los dos líderes de la banda tienen toda la seguridad y descaro del mundo y las interacciones entre ellos son bastante divertidas. Eso nace de un dato: ellos son hermanos. De esos que se aman y se odian, de esos que se pelean a cada rato. Las declaraciones que daban a la prensa también son sobresalientes por lo atrevidas, controversiales y para mí, de nuevo, divertidas. No tenían empacho en decir algo así como: "somos la mejor banda del mundo" (nada más) o "tomar drogas es como tomar té". Mmm, tal vez tanta desfachatez no sea del agrado de todo el mundo pero, ¿un rock star puede ser realmente humilde? Ellos sostienen que una banda puede ser muy buena pero que si le falta controversia o actitud, entonces no son tan buenos. Puede ser. Puede ser...

No todo es adulación o altanería. El doc se sumerge en lo desastroso que resultó el uso de drogas en la primera gira estadounidense y la crisis resultante de Noel, en los problemas en que se metían con los medios de comunicación o en la difícil relación que tuvieron con su padre abusivo. Asimismo, se plantea, sin subrayar, que tal vez la agrupación debió de desintegrarse después de su concierto multitudinario. Lamentablemente no explican el por qué, sólo lo dan a entender y dejan muchos años posteriores de lado (se desintegraron en el 2009).

¿Cuál es la historia? La de la gloria que les llegó tan rápidamente. Está la anécdota digna de leyendas de cómo los firmó el representante de la disquera, está una pelea que canceló una esperada presentación, están los mejores discos consecutivos que produjo Inglaterra en la década de los noventas o esas canciones inolvidables. Está la energía y la fama que todavía solamente el rock parece dar. La crónica entrevista a los miembros de la banda, a la familia o a los manejadores. Todos suenan honestos y no parecen nunca querer ser políticamente correctos (¡sería tan falso en este lugar!). Se muestran esos primeros ensayos, llamadas telefónicas muy íntimas, fotos o acertadas animaciones. Material que ayuda a conocer mejor a esas personalidades tan egocéntricas (aunque tal vez se les respete demasiado) y resulta una delicia si eres uno de sus seguidores.

Los productores agregan otro gran documental a su lista. Los n00bs se pueden convertir en pros. Los fanáticos tienen para recordar esos maravillosos primeros años. Los intérpretes viven por siempre.

9.0/10

Reseña de La Asesina (Nie yin niang)

Director: Hsiao-Hsien Hou

Actores: Qi Shu; Chen Chang

Duración: 105 minutos

País: Taiwan

Año: 2015

"El camino de la espada es despiadado", dice la maestra de la protagonista en este hermoso filme ganador del premio a Mejor Director en el Festival de Cannes 2015. No obstante, quien parece no coincidir con esas palabras es ni más ni menos que el realizador del filme.

Hsiao-Hsien Hou (¿Triple H?) toma al género de las artes marciales para hacer algo muy interesante y controversial. Deja a las peleas ya no en un segundo plano, tal vez en un tercero o hasta en un cuarto, ¿por qué? Porque parece más interesado en, primero, la belleza de las imágenes y después, en exponer o sugerir un conflicto interno o un avance de la trama mediante una forma contemplativa y sonora y no a través de batallas de las que Bruce Lee o Neo estarían orgullosos. No. Aquí no hay ninguna contienda memorable. Lamentablemente, ni siquiera una divertida.

Esta asesina cuando mata o riñe se preocupa de hacerlo con sigilo y rapidez. Nada de "mátalos suavemente". Nel. Una cuchillada certera y adiós. Supongo que ese estilo en la vida real sería el más adecuado para un oficio como ese pero en el cine eso provoca secuencias poco excitantes. Hay que agregar que muchas veces hay escenas largas donde los actores no hacen mucho pero donde hablan y hablan y que varias veces la cámara permanece fija en encuadres prolongados.

Lo sorprendente es que eso no es difícil de ver (sí de aguantar). No lo es porque hay belleza en la pantalla. De todos lados. De Qi Shu y su piel perfecta, del prólogo en blanco y negro que nos lleva a un monasterio en una montaña, en los trajes de los guardias del gobernador de Weibo, en las concubinas y en la esposa, en un mágico hechizo que casi quema a una mujer, en el contraste de la corte con la sencillez rural, en un acantilado que se pierde paulatinamente en la niebla, a través de las telas que acompañan el lujo en la palaciega alcoba o en una melodía de un instrumento musical antiguo y en el canto de las aves.

Muy hermoso... aunque algo cansado de ver por ese estilo lento y porque la trama se desenvuelve de forma paulatina principalmente a través de diálogos. Una situación que se cuenta brevemente pero no por eso simple. Nuestra protagonista debe matar al jefe de un territorio del que el emperador desconfía. Ese gobernador es su primo y en el pasado fue mucho más que eso.

¿Qué decidió hacer ella? Me pareció que el desarrollo de este conflicto emocional se desenvolvía a través de pistas auditivas y visuales mientras transcurría el filme. ¿Fue realmente que el director quiso plasmar así eso o simplemente yo quise encontrar algo donde no había? Tal parece que el camino de la espada no es nada más despiadado, también es complejo y elegante.

8.0/10

Reseña de Cuentos de Tokio (Tôkyô monogatari)

Director: Yasujirô Ozu

Actores: Chishû Ryû, Chieko Higashiyama, Setsuko Hara

Duración: 136 minutos

País: Japón

Año: 1953

¿No es la vida...?

¿...como se retrata en esta película? ¿Con hijos muy ocupados en sus trabajos para atender a sus viejos padres, viajes que no resultan tan placenteros como esperábamos, un ritmo vertiginoso que pronto desplaza a las viejas costumbres, futuros prometedores incumplidos o parientes que parecen más interesados en la ropa heredada que dejaron los muertos más que en los muertos mismos?

Esa impresión, me parece, solamente la logra el arte mayúsculo. Uno, al mismo tiempo, universal y personal, que además, no caduca. Mi ignorancia me había ocultado la obra de Yasujirô Ozu hasta que afortunadamente en un ciclo de cine japonés reciente me topé con ella. Sin duda que su ritmo es muy distinto al cine contemporáneo e incluso puede bordear en algo "aburrido" (sí, con tal vez demasiada insolencia debo decirlo), pero eso no me importó porque mientras la veía y una vez que acabé de hacerlo, tenía una sensación que casi nunca alcanzo mediante el séptimo arte. Aquí hay belleza. Humanidad. Melancolía. Resignación. Honestidad. Arte. Además de increíble maestría en los ejecutantes.

Ozu tiene un estilo propio y eso es patente a los pocos minutos del filme. Primero que nada, su cámara es fija, prácticamente nunca se mueve y en ella encuadra imágenes con una organización meticulosa y formas geométricas fácilmente reconocibles que dotan a la composición de una profundidad pocas veces vista. Crea patrones o estructuras. Incluso encuadra a los actores usando la escenografía. Parece obsesivo en su diseño y eso es algo que me gustó mucho. Las cosas están ahí por un motivo. También suele contrastar dos temas de manera visual muy tersamente y la manera en que retrata a las personas hablando es muy inusual: las pone exactamente de frente. En algún lado leí que eso lo hacía para que pareciera que se están confesando. Lo logra. Es una conexión muy directa, casi incómoda. Otra característica distintiva (nótese que ya van varias y que muchos directores nunca desarrollan un estilo reconocible) es que a veces coloca la cámara a la altura del suelo (a esta técnica se le llama tatami shot). Ella y los demás encuadres, me dieron la sensación de cercanía, contemplación y reflexividad (¿nostalgia?), porque además, varias veces pone una escena sin personas y cuando estas sí salen, primero vemos la escenografía y después aparecen los personajes y a veces estos se van y la toma sigue unos segundos más mostrando el lugar.

Otros que son memorables son Chishû Ryû y Setsuko Hara. El primero interpreta a un abuelo (impresionante el dato de que hizo el papel cuando tenía menos de 50 años) que acepta que la vida simplemente pasa, que debe quedar solo y que tiene la dicha de que "no le fue tan mal" (aunque no tan bien como los sueños demandan). Y la segunda interpreta a una nuera que trata mejor a sus suegros que los hijos de estos. Una persona adorable y admirable (¿por qué no hay más gente como ella?).

Bueno pero a todo esto, ¿cuál es la historia? No la había mencionado porque es la parte que menos atención recibe y no es "tan complicada" como una narración actual exigiría de un filme de más de dos horas. Digamos que es sobre unos padres que viven en la provincia japonesa que visitan a sus hijos en Tokio, sus interacciones familiares y una sorpresiva muerte. Es "sencilla" pero muestra magistralmente las complicadas relaciones humanas y un montón de temas y cosas que "así pasan" (¿lamentablemente?).

¿No es la vida decepcionante? pregunta la pequeña Kyoko a la angelical Noriko en uno de los muchos inolvidables momentos. No. Con cosas como Cuentos de Tokio, no lo es.

10/10

Reseña de Taxi Teherán (Taxi)

Director: Jafar Panahi

Actor: Jafar Panahi

Duración: 82 minutos

País: Irán

Año: 2015

Hay viajes extrañamente inolvidables y enriquecedores. Este es uno de esos. Fue moderadamente entretenido, visualmente pobre, auditivamente monótono, sin secuencias con música que aceleraran los latidos, al parecer fotografiado con una cámara de celular chafa, sin trama evidente, lleno de carencias y de duda: ¿Ante que me enfrento? ¿Vale la pena esto? ¿Por qué?

Y ahí, en esa pregunta, está la respuesta. Porque estamos frente a la obra de un autor que tiene prohibido hacer su trabajo y aún así, desafía a su gobierno y cuestiona su mundo. Y tal vez lo cambie.

Jafar Panahi es un director iraní al que le fue prohibido hacer películas. En ese país no se puede hablar de un montón de cosas y hay una censura con mayúsculas. No tonterías. Estuvo en la cárcel por hacer filmes y no debió hacer esto. Para burlar la prohibición, se hace pasar por un conductor de taxi y sube a distintos pasajeros para hablar de temas controversiales: ladrones, la pena de muerte a la que algunos se enfrentan, el entretenimiento occidental y el papel de la piratería, supersticiones locales, presos políticos y defensores de derechos humanos, viudas indefensas, pobres, sentimientos de buenos samaritanos que sufrieron robos y hasta las prohibiciones a las que se enfrentan todos los cineastas de su patria o palabras de cariño al público que espera su trabajo. Todo adentro de un taxi en menos de hora y media sin ser propagandístico.

Es cine a un nivel muy superior al simple entretenimiento. Es defender la libre expresión. Es política. Es poder.

Es profundo y cada quién puede interpretar de distinto modo la complejidad de sus planteamientos. Sólo que debes saber de antemano el contexto de la obra en todo momento (y sentir simpatía por lo que superó). Si no lo sabes (ni conectas), probablemente te quedes muy decepcionado. Algunas conversaciones son divertidas y sus temas llegan a ser cercanos pero tener todo el tiempo a personas hablando sentadas frente a la cámara puede ser cansado y hasta aburrido. Esto está extremadamente lejos de ser una costosa producción estadounidense. Hasta el cine mexicano parece solvente en comparación.

Bajo esas restricciones, quien se eleva por encima de todo es la sobrina del director (quien recibió a nombre de Panahi el premio del Oso de Oro del Festival de Berlín del 2015 por este filme). Su presencia brinda el mejor rato de estos minutos y es fácilmente el acompañante más agradable y divertido.

Si se unen con ella a este paseo, preparen para deleitar a su conciencia o a su intelecto (aunque no a sus sentidos).

9.5/10

Reseña de El Principito (The Little Prince)

Director: Mark Osborne

Actores: Melissa Gutiérrez, Manuel "El Loco" Valdés, Cecilia Suárez

Duración: 108 minutos

País: Francia

Año: 2015

Para los que han crecido y han olvidado, podría parecer otra cosa: una adaptación sin el respeto suficiente de un libro pueril, un innecesario intento de imaginar una segunda parte a una historia conocida u otra simple película de niños. Pero para mí, sencillamente, es una obra maestra. Con la grandiosa profundidad y ternura de su fuente primaria, y además, bella, simbólica, agradable al oído, inteligente y técnicamente impecable en su conformación cinematográfica.

"De pronto comprendí cierto resplandor que rodeaba su presencia misteriosa"

Al contrario de muchas personas, yo no había leído el libro de Antoine de Saint-Exupéry y por algún motivo me imaginaba su obra simple y demasiado infantil, así que no sabía que esperar del filme, no obstante, a los pocos minutos ya se vislumbraba algo especial. De forma visual (como el cine manda) se introduce un mundo monótono, conformista y robótico en donde la mamá de una niña quiere que su hija entre a la escuela más prestigiosa de todas para triunfar en la vida, al parecer, haciendo cuentas; pero no consigue ese deseo al primer intento, de manera que se muda al vecindario donde está dicha academia para echar a andar el plan B, el cuál tiene diseñado, paso a paso, minuto a minuto, todo el verano para conseguir el objetivo. Nada de juegos o distracciones. Sólo que no pensó con el vecino de al lado. En el extravagante domicilio a la izquierda, entre un montón de grises casas idénticas, vive un viejo aviador. Alegre, soñador y asiduo a mirar las estrellas, entabla amistad con su vecinita y le cuenta la historia de lo que una vez le ocurrió cuando estaba perdido en el desierto.

Desde estos primeros momentos varias figuras empiezan a cobrar una relevancia que después las elevarán, a mi parecer, a símbolos. Sutil y elegantemente se desarrolla a través de la obra las imágenes de una rosa, de un zorro, de un avión y sobre todo, de una estrella. Esta última además, va a tener otro toque preciosista, un sonido: el de una risa alegre (tal vez con algo de melancolía). Que una película incluya siquiera uno ya es difícil (ver La Cumbre Escarlata) y ¡aquí tenemos por lo menos cuatro de ellos desarrollados dentro del propio largometraje!

"Esas cosas doradas que hacen soñar a los haraganes"

Además, plasmados en la más pulcra de las animaciones por computadora (en el relato del viejo y la joven) y tiernos y preciosos cuando pasamos a la historia del Principito, ya que esta parte del relato usa animación stop-motion con papel maché (entre otras técnicas). No conforme con tener una parte visual increíble, su banda sonora brilla con delicadeza o ensueño gracias al trabajo de Hans Zimmer, Camille y Richard Harvey (más buenos usos de Lily Allen y Gabrielle Aplin); Cecilia Suárez, "El Loco" Valdés y Melissa Gutiérrez están perfectos en el doblaje y encontramos varias frases memorables como "Crecer no es el problema, olvidar lo es" o

"Lo esencial es invisible a los ojos"

Creo que el principal motivo por el que este tipo de películas es mirada sobre el hombro por los adultos, es que carecen de profundidad (Minions, te estoy viendo) o en mi caso con el Principito, por mi estúpida asociación de su imagen en acuarela con menores de 8 años. Grave prejuicio, porque las ideas de las que goza, nuevamente, no las tiene cualquier creación. ¡Esa cosa es mágico-portentosa-impresionante! Saint-Exupéry estaba tocado por el cielo o era del asteroide B612 o recibió la palabra de Hermes Trismegisto... o algo, porque ¿esa rosa? Un amor que no se cuidó, ¿el zorro? La amistad, ¿el avión? La aventura, ¿la estrella? ¿¡La muerte!? ¿resignación, alegría? ¡algo inolvidable! y ¡queda un montón más! (y cada quién aporta su significado) ¿El Principito? El extranjero que se da cuenta de nuestras limitaciones, manías o engaños; está una serpiente que es un salto a lo desconocido lleno de fe; un hombre de negocios que "no es un hombre sino un champiñón" o un amanecer que no apreciamos lo suficiente para colmarnos de alegría.

Tal vez esa admiración y amor a la obra interfiera en algunas personas cuando vean el filme ya que hacia el final se propone "¿qué hubiese pasado si el Principito hubiese crecido?" y esto no es una adaptación al cien por ciento. Yo creo que la pregunta no interfiere con el original y aquí hace sentido y complementa al relato, pues si la historia del pequeño heredero es prodigiosa, la del viejo y la niña no desmerece en lo absoluto. Un adorable veijillo le enseña a una niña a soñar y le da alegría, amistad y color a su mundo mientras la prepara para enfrentar "el sentimiento de lo irreparable"... a veces hay tanta belleza... en el mundo... y mi corazón... simplemente se va a rendir.

Parafraseando a Saint-Expéry: Es realmente misterioso el país de las lágrimas al que el Principito te puede llevar, sin dudarlo, volvería, y desde el día en que lo vi (y después leí), tal vez, cuando vea el cielo lleno de estrellas y extrañamente escuche una risa, me pondré feliz de haberlo conocido y tendré ganas de reír y las personas creerán que estoy loco, pero yo sabré, que he sido domesticado.

10/10

Reseña de El Código Enigma (The Imitation Game)

 Director: Morten Tyldum

Actores: Benedict Cumberbatch, Keira Knightley

Duración: 114 minutos

País: Reino Unido

Año: 2014

Alan Turing (Benedict Cumberbatch) es un genio matemático que quiere trabajar con el ejército británico durante la Segunda Guerra Mundial para descifrar un código nazi impenetrable. No sabe alemán, tampoco sabe convivir con las personas. Eso no importa. Obtiene el empleo y toda nuestra atención mientras logra lo que nadie había podido, aprende a llevarse con la gente, muestra su genialidad y revela otros secretos o se inmiscuye en ellos sin quererlo en una pulcra y divertida película de espías.

Basada en hechos reales, el principal objetivo es lograr decodificar la configuración de la máquina de comunicación alemana “Enigma”. Un aparato con millones de millones de posibilidades y una sola respuesta que se cambia cada 24 horas. Turing es asignado a un equipo de trabajo para la tarea pero inmediatamente los desestima diciendo que ellos “sólo lo retardarían”. Es grosero y hasta tonto cuando tiene que hablar con otros pero extrañamente llega a ser muy divertido y nunca cae mal. Cumberbatch lo interpreta muy bien y muestra una gran gama de emociones y una transformación de carácter necesaria. Puede ser obstinado y engreído, vulnerable y temeroso o apasionado y brillante. Lo acompaña de buena manera Keira Knightley en el papel de Joan Clarke, una mujer que por supuesto, no sólo lo ayudará en su tarea intelectual y que no se intimida por el ingenio de él.

Es “con una pequeña ayuda de mis amigos” lo que el hombre solitario debe aprender, sólo que no es el único apoyo que recibe y quien se lo da, de nombre “Christopher”, es ahora también un compañero de muchos de nosotros en el mundo actual; muy interesante saber como es que nació.

No obstante, la obra se toma varias libertades históricas. La más dañina es el hecho de que Alan parece haber logrado demasiado sin el trabajo de otros. Aunque hay más para quien se quiera adentrar a investigar.

La historia de “Enigma”, no es la única, se ameniza (e incluso se beneficia) de viajes al pasado del joven Turing y su difícil vida en la escuela por ser “diferente” y de instantes de su futuro después de la guerra. Es una estructura bien ensamblada por el director que nos adentra mejor en la personalidad del matemático. Sin embargo, hay un claro objetivo principal y cuando éste se cumple la obra pierde ímpetu y se alarga un poco.

La dirección también me gustó por encuadres de un ritmo tranquilo y poco protagonismo; además de que cuida muy bien la ambientación y no olvida recordarnos que estamos en medio de la guerra. Igualmente, me agradó la música original a cargo de Alexandre Desplat, me recuerda su trabajo en “El Discurso del Rey” pero ahora también se impregna de la personalidad analítica del protagonista.

Turing ideo una prueba llamada "el juego de la imitación" para saber si una persona estaba frente a una persona o una máquina, últimamente, Cumberbatch parece ser una de éxitos.

8.5/10

Reseña de La Vida de Adele (La vie d'Adèle - Chapitres 1 et 2)

Director: Abdellatif Kechiche

Actores: Léa Seydoux, Adèle Exarchopoulos

Duración: 179 minutos

País: Francia

Año: 2013

¡Ay, pero que saaabrrooosoo!, Looook at that aassssss! Ejem… digo, digo: esta película ganadora de la Palma de Oro en el festival de Cannes del 2013 es una poética representación del descubrimiento de la sexualidad, el inolvidable primer amor, la experimentación, la aceptación, la pasión y el amor... ¡Sí!... sí… eso.

Dios. Lo siento amigos pero la historia de esta obra se diluye debido a la generosa cantidad de escenas de sexo explícito entre dos mujeres sumamente hermosas. Damn!

Adele (Adèle Exarchopoulos) es una adolescente que cursa el bachillerato cuando descubre que siente atracción hacia las mujeres. Por supuesto, debe atravesar un proceso difícil. Tuvo novio pero no sentía nada con él, sus padres ignoran su preferencia y cuando se enteran sus amigas, le dan la espalda. Se enamora de una chica de cabello azul llamada Emma (Léa Seydoux ) a la que vio por primera vez un día cuando caminaba por la calle. Bound 2! Ella es un poco mayor, conoce de filosofía, sabe pintar y le enseña los caminos del placer. ¡Y de qué forma! Las chicas se devoran continuamente. En pantalla están dos seres humanos que se desean y necesitan interpretados por dos excelentes actrices que no se guardan nada… demasiado seguido y por demasiado tiempo. Lo que hace que nos desensibilicemos y dejemos de fijarnos en una historia de amor muy bien desarrollada que puede hablar a todos. Desde la primera mirada y el tímido beso hasta las fuertes peleas, pasando por los suegros y entre los amigos que no siempre te caen bien. ¡Pero esas escenas! Yeezus. No vayan a verla en una primera cita. Sirve más para “calentar motores” (pensándolo bien mejor sí háganlo, “es cine de arte”, digan).

No es lo único que distrae. Un alto porcentaje del filme está encuadrado en un close-up medio que cansa, hay varias escenas que duran tanto tiempo que el ritmo y la atención se erosionan (también hay otras que son prescindibles), y la cinta exagera con sus casi tres horas de duración. Mmm, tal vez el director también se emocionó exponiendo a esas tremendas actrices con esos tremendos… Damn!

7.0/10

Reseña de El Gran Maestro (Yi dai zong shi)

Director: Wong Kar-wai

Actores: Tony Leung, Zhang Ziyi

Duración: 123 minutos

País: Hong Kong
Año: 2013

El gran maestro del norte de China, Gong Yutian (Wang Qingxiang) tiene una hija, Gong Er (Zhang Ziyi), que aunque es una experta, no puede continuar con el legado de la famila; a un discípulo llamado Ma San (Jin Zhang) que espera lo haga; y ganas de una última pelea con quien sea el mejor peleador del sur del país. IP Man (Tony Leung), futuro maestro de Bruce Lee y figura en ascenso en la historia de las artes marciales, será su contrincante… y el protagonista de la película.

La biografía de un superhéroe. IP Man supera a varios hombres sin despeinarse, enamora  mujeres peleando, sabe algo que los demás no sabemos, siempre luce elegante y vive con un código moral inquebrantable. Además, es la personificación de la adaptabilidad necesaria frente a los cambios y crisis de su época. Al final, convence de que puede hacer eso y más aunque no llegues a conocerlo como el ser humano que fue. Con quien comparte muchos minutos de la película es con Gong Er (los mejores, yo diría, aún sin liarse a golpes). Ella pelea con la misma o superior destreza, tiene la técnica secreta que no puede faltar (las “64 manos”), busca conservar el honor de sus antepasados y lo hace todo siempre luciendo increíble. Partes muy entretenidas y también muy hermosas. Pero en algunos momentos, el filme se concentra en los relatos de otros personajes, a veces sin introducirlos claramente; pierde el hilo de la narración principal confundiendo en el camino; y el elenco no muestra otra actitud que no sea la de ser peleadores sobrenaturales. Lo importante son nuestros sentidos, entonces.

Wong Kar-wai (Happy Together, Deseando amar) llena nuestros ojos con la belleza, la sabiduría y el poder del Kung-fu. “Que elegante y diferente pelea”, pensé; “buena frase”, me dije; “¡a que #$”&´ madrazo!” (o algo así), contemplé…  Para tal expresión hay que acudir con el experto, y ese es Yuen Woo-ping (Matrix, El Tigre y el Dragón, Kill Bill) quien se encarga de coreografiar  las batallas bajo la lluvia, bajo la nieve o en medio de la niebla con imponente, brutal o delicada maestría. Para que la piel se vea como porcelana y un burdel como un palacio usan la fotografía de Philippe Le Sourd; y para deleitar, aunque tal vez no del todo entender, está el Gran Maestro.

 8.5/10

Actualización de junio de 2014:
El componente visual de esta película de algún modo se ha agrandado. Me parece más hermosa que la primera vez y eso que no la he vuelto a ver. Con las peleas ha pasado lo mismo. Sin embargo, lo que me ha hecho escribir de nuevo en esta entrada es la excelente banda sonora compuesta por Shigeru Umebayashi, ¿por qué no la resalté desde un principio?... Tengo que conseguir ese disco. Aquí una probadita: