Reseña de 25 de Adele

Adel-ante no es el lugar hacia donde se dirigió la señora Blue Adkins en su mega esperado tercer disco de estudio, nuevamente, el pasado y la nostalgia son los que ocupan un lugar central y un alma vieja con varias heridas se asoma, pero esta vez no es tan creíble, poderoso y demoledor como en la anterior ocasión (en 21). Probablemente porque aquí se oye una cierta formula para sacar lágrimas, menos música que eleve el dolor de un amor perdido y un porcentaje demasiado grande del trabajo se le deja únicamente a la voz de la cantante.

Es el caso de "All I Ask" que aún con su excelente letra (Todo lo que pido es / Si esta es mi última noche contigo / Sujétame como si fuera más que un amigo / dame una memoria que pueda usar) suena algo aburrida o demasiado "musical de Broadway" a la tercera ocasión que la escuchas por solo usar un piano; o en la yesterdayzosa "Million Years Ago" y su predominante guitarra (que sin embargo, no decepciona por una voz convincentemente dolorida en el coro); o en el soso piano de "Remedy", en la cuál además, no le creo a la artista (¿ella va a ser mi remedio con esto? mmm, no, prefiero "Don't You Remember"); y un poco con los violines que acompañan a "Love In The Dark" que creo ya haber escuchado en otras canciones de otros artistas, aunque, de nuevo, la rola no falla por la buena letra (Quita tus ojos de mí para que pueda partir) que acompaña a su dinámica in crescendo.

No obstante, me pareció que la anterior estructura se repetía con demasiada frecuencia. Es decir, canciones que empiezan tranquilas y van subiendo para dejar una explosión al final. Eso no es nada molesto en el primer sencillo "Hello" (que a mi parecer, es el que se parece más a los cortes de su anterior lp) por atacar un sentimiento universal y parecer honesta, pero en "When We Were Young", la fórmula, aún con buenas armonías, suena algo falsa (la chica tiene 27 y canta "cuando éramos jóvenes" -_-). Dicho patrón también se encuentra en "Love In The Dark" o en "All I Ask". No es que sea malo por sí mismo pero ¿dónde está la imaginación o alegría?

Está, por ejemplo, en "Sweetest Devotion", el corte más personal y verdadero del disco. Además, el único donde realmente Adele parece feliz, ¿por qué? Porque está dedicado a su hijo y eso hace que su voz sea gigante en su júbilo... la música no la deja sola, tampoco. También más juguetonas me parecieron "River Lea" por su atmósfera góspel (¡además algo sombría!) que le echa la culpa a un río (así que culpo al río Lea, al río Lea, al río Lea) o "Send My Love (To Your New Lover)" por la confianza que demuestra al descartar a un exnovio y su sencillo fondo rítmico algo pop.

Entre todas, mi preferida fue "I Miss You". Explosiva y descarada desde el comienzo (Quiero cada pedazo tuyo / Quiero tu cielo y tus océanos, también / Trátame suave pero tócame cruelmente) y algo sexosa, añorante y de recitable letra en su conjunto (Te extraño, cuando las luces se apagan / Se iluminan todas mis dudas / Tira de mí, sujétame fuerte). ¡Yeah! Lo único donde el álbum si falló feo fue en la lamentable interferencia de la guerra de volumen que afectó a la grabación (no se oye tan bien como debería). Aparten eso a la próxima y que los récords se sigan acumulando.

3.5/5

Reseña de Rebel Heart de Madonna (Edición Estándar y Super Deluxe)

Reseña edición estándar

El décimo tercer disco de la Reina del Pop es un intento fallido de marcar tendencia, seguir el ritmo a las princesas que amenazan el reino, armar un equipo de trabajo y sobre todo, de complacer a sus súbditos con algo del sonido pulcro y bien armado que la llevó al sitio en donde está; también es un feo ejemplo, muchas veces, de una persona mayor queriendo ser un adolescente.

Son muy notables las dudas que existieron en el proceso creativo cuando revisas los créditos y ves que en una canción existieron hasta 9 escritores y 6 productores ("HeartBreakCity"). Mucho peor, los titubeos se oyen; la seguridad de la líder del género no está presente como un muchos otros de sus trabajos anteriores. Madonna siempre ha buscado a los mejores colaboradores del momento pero ella siempre parecía estar bajo control, con un rumbo claro y con la última palabra; ahora luce dispersa y como si hubiese enlistado a todo aquel que pudiese darle cierto éxito radial y fuerza ante las Katy Perrys y Rihannas del mundo. La tratan de ayudar Avicii, Diplo, Kanye West, Chance The Rapper y Nicki Minaj, entre otros (hasta Mike Tyson colabora).

En pocas ocasiones hay buenos resultados. Fue el caso del primer sencillo y tal vez mejor canción, "Living For Love", donde hay moderación en el uso de la música house y hay algo de alegre pop y un bajo que suena interesante y no ridículo. Sucedió en "Ghosttown", donde agradezco que la voz de Madonna tuvo poca interferencia del auto-tune y que sea una balada que no quiere que la pongan en la discoteca de moda; pasó en "Body Shop" al usar sonidos acústicos armónicos donde se oye melodía y no ruido; y se produjeron en "Inside Out" pues creí en ella cuando escuché "hold me closer [...] let me love you from the inside out" al tiempo que usaba otra línea de bajo de buen ritmo.

Pero no quiero oír nuevamente "Illuminati" y su estúpida letra "It's like everybody in this party shining like illuminati" (la canción está inspirada en la teoría de que nuestra artista pertenece a ese grupo); no entiendo la lamentable mezcla de reggae con dubstep y un intento de hacer rimar las letras en "Unapologetic Bitch"; y de plano odio "Bitch I'm Madonna", que usa los peores sonidos electrónicos en la historia de la carrera de la cantante en un muy cuestionable intento de innovación (supongo que ese era su objetivo), tiene un tono de autoafirmación innecesario ("perra soy Madonna"), una colaboración con Nicki Minaj irrelevante usada para colocar algo en la radio (Nicki debe ser garantía, ¿no?) y a Madge otra vez intentando rapear y otra vez fallando. Mientras que "Iconic" es otro ejemplo de ella diciendo lo grandiosa que es sin alguna particularidad que rescate a la canción y por ahí encontramos a "Holy Water", que también me parece fallida por abusar nuevamente de la palabra "perra" y por sus referencias sexuales risibles y demasiado frontales.

Lo anterior, creo, es una muestra de que en estos momentos Madonna quiere ser más "una perra adolescente" lista para la competencia efímera en alguna red social de moda, que una música consagrada de edad madura preparada para llevar a otro nivel la música pop en un ámbito distinto al de la pista de baile.

2.0/5

Reseña Edición Super Deluxe

No hay otra forma de decirlo: la versión estándar del álbum es mediocre y entre lo peor que ha hecho, pero ¿cómo está la edición Super Deluxe que también se vende? Pues, definitivamente, si van a comprar Rebel Heart, consigan la de lujo.

Tiene 11 canciones extras a la impresión común (2 son remixes de "Living For Love" que no creo aporten mucho) y afortunadamente no aparece la influencia tan de moda (¿?) de la música trap y tampoco está Nicki Minaj u otro intento de la protagonista de hacer rap. Aparecen varias canciones más tranquilas y mesuradas en las cuales no se quiere reventar el subwoofer de una disco que supongo la señora Ciccone descartó por el mismo motivo.

La primera es "Best Night", que tiene un pegajoso coro que dice "I'll make this the best night of your life" con sonidos que recuerdan a la India y milagrosamente poca interferencia de la EDM. Le sigue "Veni Vidi Vici", otro intento de autoafirmación ("Vine, Vi, Vencí") que no es tan malo por una buena parte acústica, una que otra buena frase ("I was constant as the northern star") y una más que solvente colaboración del rapero Nas. "S.E.X." comete nuevamente el error de confundir al sexo por sí mismo con arte o atrevimiento al incluir gemidos y más imágenes chafonas y trasladar a segundo plano la música; "Messiah" tiene un tempo que nunca explota y no me terminó por convencer; y en "Rebel Heart" (¿no es muy extraño que una canción que le podría dar nombre a un álbum no se incluya en la versión más comercial?) Madonna nuevamente habla de Madonna en términos narcisistas ("Deep down in the depth of my rebel heart").

Es hacia el final donde encontré lo mejor de entre estas canciones. "Beautiful Scars" tiene una honesta y muy creíble letra que en la voz de "La Chica Material" es perfecta ("Just take me with all my stupid flaws") y un aire de música setentera bailable, cadenciosa y agradable; "Borrowed Time" posee una singular declaración en boca de la cantante "Our time is only borrowed" que no suena falsa por usar sonidos tranquilos; "Addicted" usa guitarras y EDM bien complementados más una letra pulcramente ensamblada que podría ser emocionalmente cercana ("And it was easy to predict / You were gonna be the one who broke my heart"); y "Graffiti Heart" tiene la ayuda justa de productores electrónicos al ir de menos a más y ser alegre sin querer demostrar quién es la mejor. 

Es muestra del poder de Su Majestad que aún cuando parece que uno de sus discos es completamente descartable, "esa perra" encuentra la manera de seducirnos. ¡No la den por muerta nunca! Entre 25 canciones, de seguro encuentran varias que justifiquen su compra.

3.5/5

Reseña de Songs Of Innocence de U2

Pasaron cinco años para que la veterana banda irlandesa sacara este nuevo disco debido a que no estaban satisfechos con las canciones que habían compuesto antes, cambiaron de productores varias veces (5 se leen en los créditos) y tenían la consigna de hacer algo con mayor éxito comercial después de que su anterior trabajo falló en vender lo esperado y en producir verdaderos éxitos.

Y sí, el anterior, No Line On The Horizon, prometió “experimentación” que no dio y fue algo blandengue pero tiene una gloria llamada “Moment Of Surrender”; una canción que sólo ellos parecen poder hacer, “Magnificent”; y otros chispazos de grandeza (la homonima, yo diría). Pero éste de plano no está a la altura.

 “California (There Is No End To Love)” puede impregnarse de un entrañable recuerdo que los miembros tuvieron después de haber salido de la gris y sombría Dublín, pero parece uno robado a los Beach Boys que carece de la alegría y ligereza suficiente que ellos y Katy Perry (entre muchos otros) sí han logrado transmitir del lugar.

Bono dice que “es un álbum muy personal”… y llaman a una canción “Song For Someone” (Canción para alguien).

“Sleep Like a Baby Tonight”, una especie de canción de cuna que recuerda a “Sweet Dreams” de Eurythmics, es muy problemática. Por un lado es la más experimental y, por lo mismo, más fresca y donde Bono juega como pocas veces con su voz al cantar “hope is where the door is…”; por el otro, se siente muy extraña y deshonesta. Esta rola está inspirada por… la pedofilia, ¿en serio? Sí, en serio. Y eso parece un intento tardío de sumarse a otra problemática global y lucir como algo más que “simples músicos de rock” que una genuina preocupación.

“This Is Where You Can Reach Me Now” se supone que está dedicada a Joe Strummer (líder del gran grupo de punk, The Clash) aunque se oye compuesta para algún grupo new wave de los ochentas que nada tiene que ver con Joe. Sin olvidar sus terribles letras y ritmo de grupo pop irrelevante propio de la mencionada década.

The Miracle (of Joey Ramone) solo tiene suficiente fuerza punketa en pocos lugares antes de ser domada por un sonido pop que no los deja explotar y “The Troubles” trata otro tema serio del que es dudoso ellos estén realmente muy preocupados (ésta trata sobre la violencia doméstica) aunque tal vez se salve al contar con una muy interesante participación vocal de Likke Li y una guitarra final de The Edge que desearía hubiese tenido más chispazos como esos antes.

Porque hay destellos que hacen vislumbrar lo que pudo ser. La guitarra del citado señor Evans, vuelve a hacer de las suyas (como en “Where The Streets Have No Name”) en el ritmo que construye “Iris (Hold Me Close)”. Una de las canciones auténticamente personales del elepé. Está llena de honestidad y fuerza sentimental. Fue compuesta pensando en la muerte de la madre del vocalista cuando este tenía 14 años. Pocas veces, o nunca, había hablado del asunto tan francamente. En el coro canta “Hold me close, hold me close and don’t let me go” (sujétame cerca, sujétame cerca y no me dejes ir).

En “Raised by Wolves” Bono recuerda como se salvó de un atentado terrorista que hubo en Dublín cuando era joven mientras voces amenazantes y una guitarra simple pero constante hacen un inventivo y curioso fondo rítmico al mismo tiempo que la frase “I don’t believe anymore” (No creo más) invita a cantarla.

"Volcano" es rock bien acompañado de un bajo con mucha presencia junto a coros muy pegajosos y "Every Breaking Wave" es otra de las rolas que sólo ellos pueden hacer (aunque ya hayan hecho otras mejores que esa).

Tadavía puedo creer que este es simplemente un mal paso, que a la próxima, con menos interferencia de los productores, menos preocupación por ser la súper banda y más diversión y más The Edge como al final de “Sleep Like A Baby Tonight”, pueden hacer otra de las obras maestras que hicieron. Ésta no lo es.

 3.0/5

Eso en cuanto a la música. Pero ya han pasado algunos meses de su lanzamiento y hay algo que me preocupa y que me llama la atención. Al disco le ha ido terrible en cuanto a ventas y éxito radial. Aunque sea un disco mediocre, estamos hablando de la que se supone es la banda de rock más grande del mundo. ¿Ya nadie puede aspirar al éxito masivo? ¿Por qué le ha ido tan mal?

Creo que hay varios factores. El principal es la terrible decisión de lanzarlo gratis a los dispositivos de Apple. Muchas personas se quejaron de que fue un movimiento intrusivo, y lo fue, pero además, le dio al trabajo el aura de barato y sobre todo, mi hipótesis es que hizo que las personas pensaran “luego lo oigo”. U oyeron el sencillo, no les gustó y descartaron todo lo demás. Cuando vas por un disco compacto a la tienda es porque realmente lo quieres escuchar y si no puedes ese mismo día, su sola presencia te recuerda que tienes algo pendiente. Un archivo digital es invisible. No sólo dieron algo sin valor sino que hicieron que no se le prestara atención o deseo.

También. Dejaron pasar demasiados años sin lanzar nada relevante y los constantes retrasos dieron la impresión de muchas dudas. Otra. Al día de hoy hay sólo un video oficial para promocionar alguna canción (y parece más comercial de Apple). Si la gente ya no compra discos y tampoco los oyó en su iSomething, entonces tal vez recurra a Youtube, parece que eso ellos no lo entienden o no les importa, o peor, que ante la mala recepción, ya se rindieron. Más. Decidieron usar como portada del disco físico la imagen de un hombre mayor agarrando el torso de un hombre más joven = ¿osea qué pedo? Se supone que es en recuerdo del niño de la portada de dos de sus primeros discos (Boy y War) y el hombre mayor es Larry Mullen Jr. (baterista) abrazando a su hijo, pero en primera instancia no reconocí a Mullen y para entender la imagen alguien te la tiene que explicar y aún así, es algo perturbadora y la asocio a ciertos escándalos de cierta iglesia.

Reseña de Pure Heroine de Lorde

Ella Marija Lani Yelich-O'Connor, “Lorde”, es una adolescente neocelandesa que no sólo hace canciones con fondos electrónicos minimalistas que hacen recordar la voz de Lana del Rey a cada rato y que conquistan las listas de éxitos, también es una chica que escribe crónicas de historias cotidianas del tercer mundo que sus mismos habitantes rara vez plasman.

Buzzcut Season probablemente nunca entienda por completo eso de: “Tomamos el autobús con las rodillas recogidas […] Cierro mis ojos a la canción que suena” hasta que se suba a una “micro” (de microbús) que transite por una colonia popular en la Ciudad de México, Team habla por millones al decir: “Vivimos en ciudades que nunca verán en pantalla / No muy lindas, pero definitivamente sabemos como hacer funcionar las cosas” y niños sin maestros, jóvenes sin escuela o adultos sin trabajos bien pueden entonar 400 Lux ( “nunca acabamos con matar el tiempo / ¿Puedo matarlo contigo?”).   

Lo interesante es que en ellas no hay pesimismo o tristeza melodramática, sino confianza juvenil valemadrista ayudada por una buena producción a cargo de Joel Little (él hace la instrumentación). Cierto, algunos cortes suenan algo planos, demasiado parecidos o temáticamente invariables y a la voz de nuestra protagonista puede faltarle pasión, pero no son inconvenientes terribles y a ella le basta subir un poco el tono para recuperar la atención.

Cosa que obtuvo de mí en un principio con Royals. Un casi himno para las clases bajas (“Nunca he visto un diamante en vivo”) que honestamente pensé iba a ser lo único bueno que tendría. No es el caso. Muy buenas también, Ribs y A World Alone. La primera, una muy honesta e identificable historia de maduración (“Y nunca me he sentido más sola / se siente tan temible, volverse viejo”), la segunda, el reconocimiento de la soledad en un mundo hipócrita (“Tú eres mi mejor amigo y bailamos en un mundo solitario”)... ¿alguien como ella en el feliz México?

4.0/5

Reseña de Prográmaton de Zoé

Cinco años después de haber grabado Reptilectric, su disco más cohesivo, roquero y con menos parafernalia, además del último inédito, la banda nacida en la ciudad mexicana de Cuernavaca volvió a los estudios de grabación con grandes expectativas sobre sus hombros después de la gloria que fue el MTV Unplugged que hicieron en el año 2011 para entregar un álbum más calmado, menos eléctrico y que, como en el acústico, experimenta con nuevos instrumentos o elabora fondos delicados.

10 a.m., abre el disco, siendo también el primer sencillo, con un coro y un ritmo sumamente pegajoso que supone un rumbo engañoso para el resto de la placa, Cámara Lenta mantiene el agradable tempo pero no convence con su historia de amor fresa, Dos Mil Trece baja la intensidad para regresar las letras oscuras con resultados polarizantes como en: “ven intégrate al software del Prográmaton”… y con Fin de Semana fácilmente puedes pensar en ese alguien especial: “quiero un fin de semana en el cielo, desvelarme bailando contigo”. Preámbulo para Arrullo de Estrellas, la mejor canción de todo el disco y una de las mejores de toda su carrera. En ella, León Larregui (vocalista/líder) canta la letra más honesta y llena de espíritu que ha escrito hasta ahora: “te lo digo desde el alma y con el corazón abierto / eres mi amor eterno / mi ángel de la guarda”. Pocas o en ninguna otra ocasión se le ha oído tan emocionalmente puro y cercano. Hay un motivo: la composición está dedicada a su mamá que hace poco falleció.

Después de eso regresa la influencia beatlesca por momentos descarada que parece nunca van a dejar atrás en Ciudades Invisibles. Con Panoramas tienen buenas estrofas sobre la belleza y sensualidad de una mujer que lamentablemente se cortan a la par de un interesante uso del sitar. Posteriormente, en Game Over Shanghai (Liu Yang River), temes que regrese un vicio de sus primeros años. El título indica que será otra canción en inglés de las que la banda ponía en sus primeros elepés pero afortunadamente ese no es el caso. Rola popera que recuerda a Keane y que en su parte final le agrega una curiosa atmósfera asíatica. Andrómeda puede parecer simple pero logra otra efectiva aproximación emocional: “que daría por tenerte junto a mí / platicar las horas en aquel sillón”. Sedantes tiene la línea de bajo más predominante y fuerte de esta sesión aunque la letra  no es tan afortunada: “secretos de Pedro Infante”… ¡¿eh?!

La trampa del principio se hace muy notable. Lo más seguro es que  Zoé dejará en su futuro el lado “pesado” (¡no se rían!) del rock y seguirá la dirección que estableció en Música de Fondo. O tal vez no. Pero mantienen la confianza de esperar algo bueno.

4.0/5