Reseña de Sólo los Amantes Sobreviven (Only Lovers Left Alive)

 Director: Jim Jarmusch

Actores: Tilda Swinton, Tom Hiddleston, Mia Wasikowska, John Hurt

Duración: 123 minutos

País: Estados Unidos

Año: 2013

Es su afición por la literatura, su piel pálida, el hecho de que vive de noche y de que lee en varios idiomas como si no hubiera nada mejor que hacer, es su cabello largo, el poder de su tacto, la selectividad que tiene para hacer amigos, sus lentes oscuros, la forma en que sorbe su bebida preferida cual droga esclavizante y su actitud positiva y relajada al saber lo que es realmente importante en la vida, es su sabiduría y confianza, es que recita:

El amor no es juguete del tiempo, aunque el carmín de labios y mejillas
caiga bajo el golpe de su guadaña;
el amor no se altera con sus cortas horas y semanas,
sino que todo lo resiste hasta el final de los tiempos.
Si estoy errado, y que eso se pruebe,
yo nunca he escrito, ni ningún hombre ha amado.

Es que colecciona guitarras antiguas, las Gibson, las Gretsch, las Hagström o las Silvertone, es que además sabe tocarlas como también toca el violín y otros instrumentos pulsados, es su colección de discos de acetato y sus composiciones de música fúnebre, son sus gruesas cortinas para impedir el paso de la luz solar, es que le gusta Bruce Lee, Edgar Allan Poe, Johann Sebastian Bach, Oscar Wilde, Nikola Tesla, Isaac Newton o Jack White, es su desprecio por casi todas las personas que no saben apreciar el mundo y que son unos “zombies”. Es que eso hace que me enamore de ellos.  La primera se llama Eva, el segundo se llama Adán. Son unos vampiros.

¡Los hijos de la noche con más onda que se puedan imaginar! Amantes de las artes y las ciencias pero no tanto de convertir a simples mortales en alguien como ellos (son demasiado sofisticados para eso). Quien busque aquí el terror, quedará muy decepcionado. Son 123 minutos de convivencia con dos personas sumamente interesantes que como tienen toda la eternidad por delante, no se apresuran en hacer mucho.

Esposos. Una vive en Tánger, Marruecos, el otro vive en Detroit, Estados Unidos. Ella tiene como amigo a no otro sino al verdadero genio detrás de Shakespeare, Christopher Marlowe; él usa a un joven para conseguir lo necesario para hacer música y de vez en cuando visita -disfrazado de “Dr. Fausto”- a un galeno de un hospital que le consigue un poco de ese elixir conocido como “O negativo”; no obstante que la vida fluye, él se deprime y ella decide viajar y hacerle compañía.

Tilda Swinton interpreta a Eva cual criatura sobrenatural de la vida real que no hace ningún esfuerzo, es perfecta en el papel y es muy agradable verla buscar el lado alegre y juguetón de la existencia frente a  su melancólico compañero, un Tom Hiddleston que la complementa muy bien y que luce muy cómodo enfundado en su chaqueta de cuero como roquero independiente que no busca la fama. Ella es la parte positiva, él la negativa, lo mismo podría decirse de los lugares en los que viven. Tánger es luminoso y prometedor; Detroit es la imagen de lo que los hombres hicieron mal y donde ya no parece haber futuro.

Es argumentable, además, que ellos son sobrevivientes (sólo los que han quedado/quedarán) de su especie y del paso de los siglos porque no sólo se aman entre ellos, sino porque han encontrado a amar aspectos que la vida ofrece que las personas normales y “vivas” ni siquiera toman en cuenta. Y se renuevan constantemente. Hacia el final de la película, el músico parece cautivado por un nuevo espíritu creador que encuentra en un bar de Marruecos (y una nueva “guitarra”) y es hasta ese momento que buscan obtener sangre revigorizante mediante una forma primitiva y directa que libera los instintos. 

Pero hay personas de las que algunos no entienden como es que otros se enamoran. Si la actitud artística alternativa parsimoniosa de intelectuales algo esnobs con sus diálogos llenos de referencias no hacen conexión con ustedes, esto no les va a gustar. Porque esto es sobre ellos. Hay poca tensión, no hay muchas acciones relevantes, deja algunas preguntas sin resolver y sobre todo en los últimos minutos puede parecer lenta.

Ese no fue mi caso, conmigo, hicieron que el universo diera vueltas.

9.0/10

Reseña de 12 Años Esclavo (12 Years A Slave)

Director: Steve McQueen

Actores: Chiwetel Ejiofor, Michael Fassbender, Lupita Nyong’o

Duración: 134 minutos

País: Estados Unidos

Año: 2013

¿Cómo obtenía su libertad un negro en Estados Unidos antes de la abolición de la esclavitud?, ¿quién le enseñó a tocar el violín?, ¿cómo formó una familia?, ¿dónde vivían además de en Nueva York?, ¿cuántos eran? Son sólo algunas de las preguntas iniciales que quedaron sin respuesta después de ver este filme adaptado del libro autobiográfico 12 Years a Slave de Solomon Northup, publicado en 1853.

Lo que deciden contar es la durísima travesía que soportó este hombre después de haber sido engañado y perderlo todo. Interpretada excelentemente por Chiwetel Ejiofor. Con sólo una mirada expone miedo o tristeza, se muestra controlado mientras hierve por dentro y cuando alza la voz entiendes por qué lo hace. Eso entre los muchos golpes físicos y psicológicos que recibe de sus varios dueños blancos. Sobre todo de Edwin Epps, un amante del látigo, alcohólico, neurótico y sadista interpretado con potencia por Michael Fassbender. A él le gusta su esclava Patsey, a quien no la deja usar jabón y hace sufrir hasta la desesperanza, que plasma muy bien  Lupita Nyong’o.

Todos dirigidos por el británico Steve McQueen (no tiene que ver con el actor) quien tiene un cuidadoso manejo de la luz y de la sombra, y hace composiciones visuales muy interesantes. Como ese rayo de luz que atraviesa una celda e ilumina el cuerpo de un preso o esos hombres que no se atreven a salvar a otro que está colgando de la rama de un árbol. Cuida el vestuario, también. El de decenas de subyugados con harapos desgarrados o el de personas ricas con sus  trajes elegantes.  

Ricas vestimentas que muchos compran con la sangre que salta debido a los latigazos que propinan. Y dan muchos. Tal vez demasiados. En pantalla hay abundantes minutos de crudeza sin descanso, evita momentos de alegría que en el libro se dan cuenta que llegaron a ocurrir. Donde además se describen algunos hombres que no eran tan malos y que el mismo autor alaba. Que recuerde todos los blancos del sur son personas malas y los tipos buenos son del norte, en especial uno de Canadá quien ayuda en la resolución de la historia. En la cual hubiese sido interesante saber el proceso legal para rescatar a alguien. Sin embargo, como eso no es sufrido, no tiene azotes o quién sabe por qué, no se muestra. Una resolución demasiado rápida para un personaje que no llegas a conocer completamente. Sobrevive, pero, ¿a qué se aferraba? ¿Cuáles eran esos momentos que le daban fuerza? ¿En qué creía? Me hubiera gustado saberlo. Sólo lo vi sufrir y recuperar su libertad.

8.5/10

 

Reseña de Pure Heroine de Lorde

Ella Marija Lani Yelich-O'Connor, “Lorde”, es una adolescente neocelandesa que no sólo hace canciones con fondos electrónicos minimalistas que hacen recordar la voz de Lana del Rey a cada rato y que conquistan las listas de éxitos, también es una chica que escribe crónicas de historias cotidianas del tercer mundo que sus mismos habitantes rara vez plasman.

Buzzcut Season probablemente nunca entienda por completo eso de: “Tomamos el autobús con las rodillas recogidas […] Cierro mis ojos a la canción que suena” hasta que se suba a una “micro” (de microbús) que transite por una colonia popular en la Ciudad de México, Team habla por millones al decir: “Vivimos en ciudades que nunca verán en pantalla / No muy lindas, pero definitivamente sabemos como hacer funcionar las cosas” y niños sin maestros, jóvenes sin escuela o adultos sin trabajos bien pueden entonar 400 Lux ( “nunca acabamos con matar el tiempo / ¿Puedo matarlo contigo?”).   

Lo interesante es que en ellas no hay pesimismo o tristeza melodramática, sino confianza juvenil valemadrista ayudada por una buena producción a cargo de Joel Little (él hace la instrumentación). Cierto, algunos cortes suenan algo planos, demasiado parecidos o temáticamente invariables y a la voz de nuestra protagonista puede faltarle pasión, pero no son inconvenientes terribles y a ella le basta subir un poco el tono para recuperar la atención.

Cosa que obtuvo de mí en un principio con Royals. Un casi himno para las clases bajas (“Nunca he visto un diamante en vivo”) que honestamente pensé iba a ser lo único bueno que tendría. No es el caso. Muy buenas también, Ribs y A World Alone. La primera, una muy honesta e identificable historia de maduración (“Y nunca me he sentido más sola / se siente tan temible, volverse viejo”), la segunda, el reconocimiento de la soledad en un mundo hipócrita (“Tú eres mi mejor amigo y bailamos en un mundo solitario”)... ¿alguien como ella en el feliz México?

4.0/5

Reseña de La Vida de Adele (La vie d'Adèle - Chapitres 1 et 2)

Director: Abdellatif Kechiche

Actores: Léa Seydoux, Adèle Exarchopoulos

Duración: 179 minutos

País: Francia

Año: 2013

¡Ay, pero que saaabrrooosoo!, Looook at that aassssss! Ejem… digo, digo: esta película ganadora de la Palma de Oro en el festival de Cannes del 2013 es una poética representación del descubrimiento de la sexualidad, el inolvidable primer amor, la experimentación, la aceptación, la pasión y el amor... ¡Sí!... sí… eso.

Dios. Lo siento amigos pero la historia de esta obra se diluye debido a la generosa cantidad de escenas de sexo explícito entre dos mujeres sumamente hermosas. Damn!

Adele (Adèle Exarchopoulos) es una adolescente que cursa el bachillerato cuando descubre que siente atracción hacia las mujeres. Por supuesto, debe atravesar un proceso difícil. Tuvo novio pero no sentía nada con él, sus padres ignoran su preferencia y cuando se enteran sus amigas, le dan la espalda. Se enamora de una chica de cabello azul llamada Emma (Léa Seydoux ) a la que vio por primera vez un día cuando caminaba por la calle. Bound 2! Ella es un poco mayor, conoce de filosofía, sabe pintar y le enseña los caminos del placer. ¡Y de qué forma! Las chicas se devoran continuamente. En pantalla están dos seres humanos que se desean y necesitan interpretados por dos excelentes actrices que no se guardan nada… demasiado seguido y por demasiado tiempo. Lo que hace que nos desensibilicemos y dejemos de fijarnos en una historia de amor muy bien desarrollada que puede hablar a todos. Desde la primera mirada y el tímido beso hasta las fuertes peleas, pasando por los suegros y entre los amigos que no siempre te caen bien. ¡Pero esas escenas! Yeezus. No vayan a verla en una primera cita. Sirve más para “calentar motores” (pensándolo bien mejor sí háganlo, “es cine de arte”, digan).

No es lo único que distrae. Un alto porcentaje del filme está encuadrado en un close-up medio que cansa, hay varias escenas que duran tanto tiempo que el ritmo y la atención se erosionan (también hay otras que son prescindibles), y la cinta exagera con sus casi tres horas de duración. Mmm, tal vez el director también se emocionó exponiendo a esas tremendas actrices con esos tremendos… Damn!

7.0/10

Reseña de Prográmaton de Zoé

Cinco años después de haber grabado Reptilectric, su disco más cohesivo, roquero y con menos parafernalia, además del último inédito, la banda nacida en la ciudad mexicana de Cuernavaca volvió a los estudios de grabación con grandes expectativas sobre sus hombros después de la gloria que fue el MTV Unplugged que hicieron en el año 2011 para entregar un álbum más calmado, menos eléctrico y que, como en el acústico, experimenta con nuevos instrumentos o elabora fondos delicados.

10 a.m., abre el disco, siendo también el primer sencillo, con un coro y un ritmo sumamente pegajoso que supone un rumbo engañoso para el resto de la placa, Cámara Lenta mantiene el agradable tempo pero no convence con su historia de amor fresa, Dos Mil Trece baja la intensidad para regresar las letras oscuras con resultados polarizantes como en: “ven intégrate al software del Prográmaton”… y con Fin de Semana fácilmente puedes pensar en ese alguien especial: “quiero un fin de semana en el cielo, desvelarme bailando contigo”. Preámbulo para Arrullo de Estrellas, la mejor canción de todo el disco y una de las mejores de toda su carrera. En ella, León Larregui (vocalista/líder) canta la letra más honesta y llena de espíritu que ha escrito hasta ahora: “te lo digo desde el alma y con el corazón abierto / eres mi amor eterno / mi ángel de la guarda”. Pocas o en ninguna otra ocasión se le ha oído tan emocionalmente puro y cercano. Hay un motivo: la composición está dedicada a su mamá que hace poco falleció.

Después de eso regresa la influencia beatlesca por momentos descarada que parece nunca van a dejar atrás en Ciudades Invisibles. Con Panoramas tienen buenas estrofas sobre la belleza y sensualidad de una mujer que lamentablemente se cortan a la par de un interesante uso del sitar. Posteriormente, en Game Over Shanghai (Liu Yang River), temes que regrese un vicio de sus primeros años. El título indica que será otra canción en inglés de las que la banda ponía en sus primeros elepés pero afortunadamente ese no es el caso. Rola popera que recuerda a Keane y que en su parte final le agrega una curiosa atmósfera asíatica. Andrómeda puede parecer simple pero logra otra efectiva aproximación emocional: “que daría por tenerte junto a mí / platicar las horas en aquel sillón”. Sedantes tiene la línea de bajo más predominante y fuerte de esta sesión aunque la letra  no es tan afortunada: “secretos de Pedro Infante”… ¡¿eh?!

La trampa del principio se hace muy notable. Lo más seguro es que  Zoé dejará en su futuro el lado “pesado” (¡no se rían!) del rock y seguirá la dirección que estableció en Música de Fondo. O tal vez no. Pero mantienen la confianza de esperar algo bueno.

4.0/5 

Reseña de 47 Ronin

Director: Carl Rinsch

Actores: Keanu Reeves, Hiroyuki Sanada

Duración: 118 minutos

País: Estados Unidos

Año: 2013

Con la desaprobación de la crítica y un costo de más de 175 millones de dólares pero una recaudación mundial que difícilmente se acercará a los 50, se exhibe en estas semanas en el país uno de los mayores fracasos comerciales del año pasado. Pero ¿es realmente tan mala?

Basada en una historia tan famosa en Japón, que se conmemora cada 14 de diciembre. Es el relato de los 47 samuráis que quedaron sin rumbo (por lo que se les dice “ronin”) y con sed de justicia después de que el señor al que servían es asesinado. Ese es el principio básico. Aunque ahora, Hollywood le agrega a un occidental llamado Kai (Keanu Reeves) y elementos fantásticos,  como monstruos, brujas o monjes-demonio con espadas especiales para hacer el cuento más espectacular.

Y eso se no se ve mal. El dinero se ve usado en la pantalla. Decenas de samuráis perfectamente vestidos conviven en una fortaleza junto a mujeres en bellos kimonos bajo la sombra de cerezos en flor, piratas con tatuajes muy chéveres organizan peleas bien coreografiadas, una compañía teatral ocupa el fuego para divertir a unos próximos esposos y una bruja se contonea como serpiente o vuela como un dragón. Se ve chida, pues. No habría que echarle la culpa a Keanu, tampoco. Si bien es cierto que muestra el mismo semblante que parece tener en todas sus películas y no muestra muchas emociones,  bien es cierto que eso no importa mucho porque es una película de acción y su interpretación física es creíble y bien ejecutada. De cualquier modo, no diría que él sea completamente el protagonista, pues es parte de los otros 46 guerreros y de los importantes gobernantes de los condados locales.  Mejores son Hiroyuki Sanada como Ôishi, líder de los ronin y Rinko Kikuchi como la hechicera Mizuki.

Aunque no pueden hacer mucho. No pueden hacerlo cuando prácticamente ningún personaje tiene el material necesario para demostrar profundidad. No hay. Dónde el material falla es en el guión. Inventa escenas de acción que se preocupan por inventar formas en como usar los efectos especiales pero no desarrolla su línea narrativa. La historia parece cortarse, no fluir. Prolonga demasiado el primer acto, la historia de amor luce forzada y las acciones finales se precipitan. Además, en todo eso hay un tono demasiado serio. Caras solemnes, pocas risas. El resultado es que no divierte tanto como podría.

Entonces: No, no es terrible. Pero tampoco es pasable.

5.0/10

Reseña de No Se Aceptan Devoluciones

 Director: Eugenio Derbez

Actores: Eugenio Derbez, Loreto Peralta

Duración: 122 minutos

País: México

Año: 2013

Debut como director del famoso comediante televisivo, largometraje más taquillero del año para la industria cinematográfica mexicana, obra en boca de todos el año pasado… película que acabo de ver, comentario muy interesante que escribir.

La historia de Valentín (Eugenio Derbez), un mujeriego acapulqueño con miedo al compromiso que debe cambiar de forma de vida cuando una de sus exconquistas regresa con la sorpresa de que ha tenido una hija de él y ella decide dejarla a su cargo con una variación del clásico “se fue por sus cigarros y no volvió”. Un planteamiento muy común pero ¿cómo está ejecutada? Empecemos con sus aciertos.

Loreto Peralta, quien interpreta a Maggie, hija de Valentín, muestra soltura y encanto precoz y fascinante. Es lo mejor del filme. Excelente inicio para una niña que no había actuado nunca y que fue seleccionada con ayuda de Twitter. A su lado, Derbez puede dar inventivos juegos de palabras que frecuentemente obtienen una sonrisa (cuando se mantiene un saludable tono ligero) y cuando todo ha terminado, el amor de padre que transmitió logró enternecer. Entre los dos muestran muy buena química, además. En otros aspectos: el vestuario de todos siempre está bien cuidado (y en el caso de los personajes principales, los complementa muy bien); la bahía de Acapulco goza del calor de una buena fotografía; y secuencias animadas bien hechas realzan la atmósfera familiar. Mención especial para el final de la película que aunque tal vez es innecesario y manipulador, conmueve.

Sin embargo, sombras telenoveleras cubren sus playas y la tensión dramática por momentos alcanza temperaturas casi de congelamiento.  Después de que nuestro donjuán se queda con la beba, la trama se sostiene con sketches o momentos familiares. Momentos planos, casi irrelevantes. No hay nada importante que perder o ganar. Vida cotidiana, minutos aburridos. ¡El enemigo o fuerza antagonista principal aparece hasta casi la mitad de la película! Y sí, como ya adivinaron, se trata de la mamá que regresa por la hija. Enemigo unidimensional que descarga una seriedad innecesaria y que además libera al culebrón que habían estado guardando. Muestras: Un acercamiento encuadra caras muy tristes y llorosas acompañadas de dramáticos violines; en un atardecer frente a la playa se dicen verdades muy importantes; frases como: “¿Por qué me estas haciendo esto?” o “¿Por qué me la quieres quitar?” (¡que alguien piense en los niños!) son además, ejemplo de una enorme debilidad: muchos diálogos demasiado directos, trillados y explicativos. Más narrativa visual, por favor. Súmenle cambios de estado muy bruscos entre la alegría y la tristeza pocas veces efectivos y tienen la explicación del porqué es una obra muy cuestionable aunque haya sido emocionalmente exitosa. 

5.5/10

Reseña de Escándalo Americano (American Hustle)

  Director: David O. Russell

Actores: Christian Bale, Amy Adams, Bradley Cooper, Jennifer Lawrence

Duración: 138 minutos

País: Estados Unidos
Año: 2013

 

Si el doctor Gregory House describiera esta película usaría una de sus frases más conocidas: “Todos mienten”. Christian Bale como un gordo y calvo Irving Rosenfeld; Amy Adams usando acento inglés como Sidney Prossier; Bradley Cooper con su cabello enrulado como el agente del FBI Richie DiMaso; Jennifer Lawrence como una esposa ingenua; prácticamente todos los demás personajes exceptuando a una honorable abuelita; la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas si le da a esto “mejor película” (es mi opinión, ya tu sabes); y hasta su título: ¿Escándalo? Naaa.

Basada en parte en la operación ABSCAM de finales de la década de 1970, relata como una pequeña operación para atrapar corruptos de poca monta se convierte en un enredo que crece vertiginosamente hasta alcanzar poderosos mafiosos y políticos con consecuencias posiblemente mortales. Culpa de la ambición desmedida (nunca buena para los negocios) junto con la necesidad de sobrevivir a un pasado que se quiere olvidar o a un futuro que no quieres tener. El mundo en escala de grises. Un mundo que puede ser muy divertido, además, pero sólo una vez que se ha enredado lo suficiente y siempre que siga fuertemente atado, porque la primera parte se prolonga mientras se pasa en explicación tras explicación para por fin establecer de que va a tratar el asunto y en diversos lapsos pierde el ritmo que da la fuerza del entretenimiento. Cadencia muy fluctuante. Seré honesto: por momentos me aburría (tal vez una consecuencia de que no deja de seguir explicándome cosas hasta el final).

Si la crónica a veces falla, los personajes no. Un gran elenco compuesto por varios actores que repiten en la alineación de David O. Rusell después de ya haber colaborado con él en dos películas muy bien recibidas por la crítica (Los Juegos del Destino, El Peleador) dónde algunos fueron conducidos por el camino de los premios. Bale deja atrás la seriedad de Batman y luce relajado, seguro, convincente e inteligentemente mesurado en el arte de la estafa; Adams tiene la solvencia de siempre, fuerza, aplomo…  y unos escotes memorables; Cooper es sólido como el policía aventurero que aspira a lo grande; y Jennifer Lawrence encanta a la audiencia sin esfuerzo interpretando a una mujer agradablemente entrometida. Todos enfundados en vestuarios variados e impecables y con canciones bien seleccionadas para sumergirnos en la época. ¿Al final cuál es el escándalo? Haber tenido que esperar hasta esta película para ver a la señorita Amy así.

8.0/10

 

Reseña de El Gran Maestro (Yi dai zong shi)

Director: Wong Kar-wai

Actores: Tony Leung, Zhang Ziyi

Duración: 123 minutos

País: Hong Kong
Año: 2013

El gran maestro del norte de China, Gong Yutian (Wang Qingxiang) tiene una hija, Gong Er (Zhang Ziyi), que aunque es una experta, no puede continuar con el legado de la famila; a un discípulo llamado Ma San (Jin Zhang) que espera lo haga; y ganas de una última pelea con quien sea el mejor peleador del sur del país. IP Man (Tony Leung), futuro maestro de Bruce Lee y figura en ascenso en la historia de las artes marciales, será su contrincante… y el protagonista de la película.

La biografía de un superhéroe. IP Man supera a varios hombres sin despeinarse, enamora  mujeres peleando, sabe algo que los demás no sabemos, siempre luce elegante y vive con un código moral inquebrantable. Además, es la personificación de la adaptabilidad necesaria frente a los cambios y crisis de su época. Al final, convence de que puede hacer eso y más aunque no llegues a conocerlo como el ser humano que fue. Con quien comparte muchos minutos de la película es con Gong Er (los mejores, yo diría, aún sin liarse a golpes). Ella pelea con la misma o superior destreza, tiene la técnica secreta que no puede faltar (las “64 manos”), busca conservar el honor de sus antepasados y lo hace todo siempre luciendo increíble. Partes muy entretenidas y también muy hermosas. Pero en algunos momentos, el filme se concentra en los relatos de otros personajes, a veces sin introducirlos claramente; pierde el hilo de la narración principal confundiendo en el camino; y el elenco no muestra otra actitud que no sea la de ser peleadores sobrenaturales. Lo importante son nuestros sentidos, entonces.

Wong Kar-wai (Happy Together, Deseando amar) llena nuestros ojos con la belleza, la sabiduría y el poder del Kung-fu. “Que elegante y diferente pelea”, pensé; “buena frase”, me dije; “¡a que #$”&´ madrazo!” (o algo así), contemplé…  Para tal expresión hay que acudir con el experto, y ese es Yuen Woo-ping (Matrix, El Tigre y el Dragón, Kill Bill) quien se encarga de coreografiar  las batallas bajo la lluvia, bajo la nieve o en medio de la niebla con imponente, brutal o delicada maestría. Para que la piel se vea como porcelana y un burdel como un palacio usan la fotografía de Philippe Le Sourd; y para deleitar, aunque tal vez no del todo entender, está el Gran Maestro.

 8.5/10

Actualización de junio de 2014:
El componente visual de esta película de algún modo se ha agrandado. Me parece más hermosa que la primera vez y eso que no la he vuelto a ver. Con las peleas ha pasado lo mismo. Sin embargo, lo que me ha hecho escribir de nuevo en esta entrada es la excelente banda sonora compuesta por Shigeru Umebayashi, ¿por qué no la resalté desde un principio?... Tengo que conseguir ese disco. Aquí una probadita: